N+2: marzo 2012

30 marzo 2012

The Heart of Amos Klein - Uri Kranot & Michal Pfeffer (2008)


El corazón de Amos Klein
Sin Diálogos / No Dialogue

Durante un transplante al corazón de Amos Klein, un poderoso e influyente hombre dedicado a la carrera militar, éste recuerda de manera retrospectiva los momentos más importantes de su vida. Cada recuerdo del personaje será correspondientemente recapitulado a partir de algún momento clave de la historia Israelí. 
Un film que, en un personaje arquetípico, condensa la belicosa e inestable situación en que el Estado Israelí se ha forjado desde su fundación.


Las técnicas de animación usadas en la elaboración del film son varias: comenzando por el dibujo sobre papel, además de escenas filmadas en live-action y fotomontaje de material de archivo.


"During a heart transplant operation, as he struggles between life and death, Amos Klein returns to siginificant landmarks over the course of his life. These correspond with key moments in Israeli history.His journey is a reflection of moral corruption, of militarism and indoctrination. 
The film is an allegory to the loss of innocence and compassion; it carries a powerful universal message regarding issues such as patriotism and individuality. While providing a historic and cultural context, the dictinct visual language allows for emotional insight into complex issues; As an animated documentary, the film utilizes technniques unique to the medium, incorporating stylized drawn animation with live-action and archive footage."


"The journey through Amos Klein’s past unfolds from the end to the beginning, using historic landmarks in Israeli culture and history. Amos Klein’s character although fictitious; is an archetype of a person corrupted by power. As a child Amos is forced to conform to the dictations of a militaristic environment, as he ages he looses his inadequacy along with his compassion. Amos Klein’s actions and choices define not only his character but the society which shaped him.
The film is an allegory of the loss of innocence and compassion; it carries a powerful universal message regarding issues such as patriotism and individuality."


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29 marzo 2012

Tiny sun bathers - Olivier Boulanger & Martin Koscielniak (1998)


Pequeños bañistas
Inglés/English | Subs: Castellano

Una mirada irónica a la propaganda china durante los años 60.
No hay mucho que decir, un interesante laburo experimental con una interesante historia detrás.

Este corto fue incluído en una recopilación en DVD llamada "Shorts #9: Trust". El film muestra supuestamente los buenos efectos causados por la luz del sol en los niños, que se bañan sincronizadamente.
La técnica es pintura a mano con tinta sobre algunas partes del film, técnica que era bastante común en la primera década del siglo XX, y que fuera popularizada por Georges Méliès, entre otros.


This short film is included on a DVD collection entitled " Short #9: Trust"--a mediocre (at best) collection of short films. This particular short is very short and only lasts about two minutes, so it's hard to review it. It is some sort of documentary from China in the 1960s about the healthful effects of the sun on some very young children who are sunbathing in synchronization. All this is stock footage. However, someone in 1998 took the film, gave it an English narration and hand-painted portions of the sepia-toned stock. This sort of coloring was relatively common around 1900-1910 (Georges Méliès had many of his early films beautifully hand-colored) and was usually done quite well. However, with TINY SUN-BATHERS it was done sloppily--with loud colors slapped onto the cels. (IMDB)


DVDRip por Germán

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Subs por Qrosawa:
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Barbárok ideje - Sándor Reisenbüchler (1970)


The age of the barbarians / La era de los bárbaros
No dialogue / Sin diálogos

En esta obra, el artista húngaro nos lleva a través de un panorama barbárico y nefasto: el panorama moderno, o sea, el frío y cómodo toque del occidentalismo.

 

La narración absolutamente visual nos lleva a través de los problemas y probables consecuencias que la modernidad y sus caprichos confrontaba en ese entonces y, por qué no, sigue confrontando hasta ahora.
Film elaborado a partir de fotomontaje con técnica de recortes, o cut-out.


Sándor Reisenbüchler (Budapest, 1935-2004), fue un director de films animados y artista gráfico.
Se graduó en dirección de films en la Academia de Teatro y Artes Fílmicas de Budapest. Trabajó en los Estudios PannóniaFilm en Budapest desde 1965. Cuentos del folklore, temas fantásticos y de ecología tuvieron una atracción particular para él; fue un artista gráfico autodidacta con influencias del pop-art. Una figura única en la escena del arte húngaro.
Le fue otorgado el más alto galardón nacional por sus logros: el Premio Kossuth.



Sándor Reisenbüchler (1935 Budapest - 2004 Budapest) was a Hungarian animated film director and graphic artist.
He took a degree in directing of films from the Academy of Theatre and Film Arts in Budapest. He was working for PannóniaFilm in Budapest since 1965. Folk tales, fantastic and ecological themes had a particular appeal to him; he was a self-taught graphic artist with pop-art influences. A unique figure on the Hungarian Art Scene, he was given the highest national prize for his achievements: the Kossuth Award.

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28 marzo 2012

Tma, Svetlo, Tma - Jan Svankmajer (1989)


Oscuridad, Luz, Oscuridad / Darkness, Light, Darkness
Sin diálogos/No dialogue

En “Oscuridad / Luz / Oscuridad” (“Tma/Svetlo/Tma”, 1989) se da una situación insólita: una habitación, se da la luz, y vemos que hay dos puertas y una ventana. Entran dos manos sueltas por las puertas, y después dos ojos, y después dos orejas… Un hombre se va desarrollando de la nada. Ya está casi formado, entonces unos aldabonazos se escuchan a la puerta...


Algunos de los anteriores films de Svankmajer pueden ser interpretados como alegorías de los procesos evolutivos -...-; Tma, svetlo, tma sería uno de los más sencillos, y en consecuencia, de los más directos. En el film vemos como emergen literalmente del limo primigenio extrañas y primitivas formas de vida que luego "evolucionan" hacia un ser humano totalmente formado. Pero, ¿a qué precio? El ser humano se vuelve completamente incapaz de abandonar la estancia (es demasiado grande para hacer cualquier uso de alas puertas y ventana) y virtualmente incapaz de moverse sin provocarse dolorosos aprietos. Dado que la desintegración de las partes componentes originales del cuerpo, no puede ser una opción, (o, al menos, no está de acuerdo con las ideas tradicionales de "evolución"), tiene que evolucionar, efectivamente, hacia una especie amenazada, que es únicamente capaz de una acción decisiva -apagar la luz-.


El film tiene unas resonancias más amplias; Svankmajer ha expresado frecuentemente su preocupación por la civilización occidental y su posible colapso en nombre del "progreso", -que es graciosamente satirizado en el film-. Seguimos los diferentes fases del ensamblaje de la criatura, siendo conscientes ya desde el primer momento del resultado final -ya que podemos identificar los ingredientes al instante-. También asumimos, en la medida en que formamos parte de la misma especie, que el resultado final será "superior" a las simples criaturas con forma de mariposa-mano-más-ojos u oído del principio. Pero Svankmajer se pregunta: ¿es esto necesariamente verdad? La criatura con forma humana se ve atrapada en la estancia, aprisionada por el concepto social de existencia "civilizada" (cuatro paredes, un hogar e iluminación eléctrica), mientras que la mariposa-oído puede disfrutar, en definitiva, de una total libertad de movimientos.
En pocas palabras, sea cual sea la lectura que hagamos de él, Tma, svetlo, tma-... es un film profundamente pesimista, aunque la oscuridad sea aliviada, en cierto modo, por la rica imaginación característica de Svankmajer.

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27 marzo 2012

Romans Dzentelmena - Tomasz Kozak (2000)


Sin Diálogos / No Dialogue

Un hombre recibe una llamada en la que es seducido por un libidinoso engendro alado... Este cortomeraje desborda surrealismo a cada instante, en cada toma, por lo que intentar dilucidarlo en una sinopsis es inútil.


Film elaborado mediante técnica de recortes, o cut-out, y en colaboración con Daniel Szczechura, uno de los grandes de la animación polaca.


"Graduated from the Faculty of Painting and Animated Films at the Academy of Fine Arts in Warsaw. He lives in Lublin and works at the Faculty of Fine arts in UMCS in Lublin, Poland. He makes video-collages and animation. In his works he often uses iconic, for Polish film culture, productions such as ‘Potop’ (‘The Deluge’), ‘Krzyżacy’ (‘Knights of the Black Cross’). He then puts them together with excerpts of popular culture, music videos, advertisements etc. The outcome of his work are found footage movies in which the artist refers to dark archetypes underlying the subconsciousness of a Western Man.

(...) He also participated in many group shows: “We would like to know that we are not them” in Royal Scottish Academy in Edinburgh, UK, 2009; “Aesthetic and Environment. Human as Art” in Museum of Contemporary Art in Taipei, Taiwan 2009; “Love, City and Catastrophe” in N&N Aman Gallery in Tel Aviv, Isreal and KUMU Art Museum in Tallinn, Estonia 2009, “Demons” in Ben Ari Museum of Contemporary Art, Museum of Bat Yam in Bat Yam, Israel 2008, “Pink not Dead” in CCA Ujazdowski Castle in Warsaw, Poland, 2006."
  
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¡Vampiros en La Habana! - Juan Padrón (1985)


Vampires in Havana
Castellano/Spanish | Subs: English (hardcoded)

Juan Padrón es un dibujante, guionista y director cubano de películas de animación, habitual colaborador del gran Quino, el creador de Mafalda. Entre sus films, que poco tienen que ver con la animación que nos llega de Japón o Estados Unidos, el más conocido es Vampiros en La Habana, una de esas obras de culto que van ganando poco a poco prestigio gracias, sobre todo, al boca-oreja de los esforzados cinéfilos, y que tuvo su continuación en Más vampiros en La Habana (2003), también divertida pero que, desgraciadamente, no pudo mantener el mismo nivel.


El hijo de Drácula, científico y vampiro exiliado en La Habana, consigue tras muchos fracasos crear el Vampisol, una bebida gracias a la cual los vampiros serán inmunes a los rayos solares. Su creador pretende que sus congéneres disfruten gratuitamente del descubrimiento, pero los dos grandes grupos del vampirismo capitalista no están dispuestos a consentirlo. La plana mayor de los vampiros europeos y la mafia chupasangre de Chicago, la Capa Nostra, se trasladan a La Habana para hacerse con la fórmula que les hará millonarios y, de paso, darse de tortas. 


Película artesanal y sin pretensiones, con una clara lectura política en la que nadie sale bien parado, Vampiros en La Habana nos proporciona una cuantas carcajadas a los que gustamos del humor absurdo, de la tontería por la tontería, a los que aún seguimos tronchándonos con los viejos tebeos de Mortadelo y Filemón.


¡Vampiros en La Habana! (English title: Vampires in Havana) is a Cuban animated film directed by Juan Padrón. Released in 1985, the film features trumpet performances by the legendary Arturo Sandoval. A sequel to the film was released in 2003 called Más vampiros en La Habana.

Joseph Amadeus von Dracula, known as Pepito to his friends, is a trumpet player in 1930s Havana who spends his time away from the bandstand dabbling in quasi-terrorist plots to overthrow the Cuban government of dictator, Gerardo Machado. He is unaware that he is really a vampire, and that his uncle, Werner Amadeus von Dracula, the son of Count Dracula, has been using him as a test subject for a formula that negates the usually fatal effects of sunlight.

A Chicago-based crime syndicate and a group of vampires with members from several countries in Europe have both learned of the formula and wish to possess it for different reasons—the Chicago group to suppress it and thus maintain their monopoly on indoor, artificial beach resorts, and the Europeans to market it as "Vampisol." When Pepito learns of his true heritage (and his uncle's wish to give the formula away to vampires everywhere) he becomes the target of a multi-pronged manhunt, leading all parties involved on a wild chase through some of the seediest neighborhoods of Havana.


At the film's climax, Pepito and his girlfriend find themselves cornered by the Chicago vampire cartel, led by vampire mobster Johnny Terrori. He tells Pepito to have some O positive blood as his last drink, the blood type which vampires consider to be the most delicious. However, when he spits it out in disgust, Terrori realizes that Pepito's dislike of drinking blood, the fact that he was harmed by a lead bullet earlier (vampires can only be harmed by silver bullets) and that he is completely impervious to sunlight (it instantly kills vampires) means that Pepito has stopped being a vampire. Terrori loses interest in the Vampisol formula, realizing that its effect is to turn vampires into humans. However, the leader of the European vampires suggests a deal with his counterparts from Chicago, whereby they can encourage vampires to take small amounts of Vampisol in the summer and visit the mobsters' artificial beaches in the winter. Both groups believe that they are going to make a fortune from Vampisol but, as a final resolution, Pepito sings instructions on how to prepare the formula over the radio to vampires worldwide, instructing them to use it sparingly to avoid becoming human. The Vampisol formula becomes financially worthless and both vampire cartels find themselves defeated.

At the very end of the film a vampire addresses the audience and says, "Be careful, because that guy next to you on the beach... might just be a vampire!"


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The Tell-Tale Heart - Ted Parmelee (1953)


El corazón delator
Inglés / English | Subs: Español

Adapatción animada, a cargo del artista estadounidense Ted Parmelee, al cuento homónimo del grande del terror Edgar Allan Poe. Animación catalogada por muchos como una de las mejores adaptaciones hechas a los cuentos del escritor.

Narrada intensamente por el actor británico James Mason, esta es la historia de un hombre perseguido por la locura que produce en él la imagen del ojo tuerto de un anciano, con el cual convive; llevado a la psicosis por la imagen del ojo, el hombre comienza a perder la cordura cada vez más. 
Este film fue la primera caricatura en ser catalogada "X" (lo que significa que sólo puede ser vista por público adulto) por el British Board of Film Censors; además fue nominada a los premios oscar y fue seleccionada a la lista "The 50 Greatest Cartoons" creada en los 90 por el historiador de la animación Jerry Beck.



"(...) Puede extrañar que me explaye tanto en reseñar todos los colaboradores en el corto (especialmente para los que sufran de algún tipo de autoritis) pero en este caso tanto la eficaz narración de James Mason como los diseños de Paul Julian son esenciales para construir la atmósfera de este corto, especialmente los diseños del dibujante americano, que bebiendo de las fuentes de la vangüardia, el expresionismo y  el surrealismo, consiguen dotar a esta versión del cuento de Poe del toque de locura alucinatoria que todo lector experimenta con su lectura.

Por supuesto, un corto animado no se limita a unas bellas ilustraciones o a un perfecto trabajo de doblaje. Se requiere algo más...

¿O no?


(...) La labor de la productora UPA durante la década de los 50 en el campo de la animación comercial y no tan comercial, constituyó uno de los hitos de esta forma. No sólo consiguió romper el monopolio del estilo Disney, que desde los 40 no tenía rivales, sino demostró que esta forma podía utilizar los estilos del modernismo artístico, entonces en plena vigencia, para dirigirse al público, liberando a la animación experimental e independiente del ghetto excluyente en que se la había encerrado, tanto por parte del público como de la crítica (y en el que en cierta manera, aún sigue encerrado)

Esta conexión con la vanguardia no se limitó simplemente a la copia de los estilos artísticos de su tiempo, esto en sí, no hubiera supuesto ninguna revolución, sino que se plasmo en una investigación constante de los límites y las limitaciones de la forma, la cual daría paso, en otros países y en otras escuelas muy distintas, a esa larga tradición de la animación experimental e independiente a la que me refería. En ese sentido, este corto es quizás el mejor ejemplo de esa puesta en tela de juicio de los fundamentos de la disciplina, tan similar, salvando las distancias, a los intentos coetáneos de John Cage, por  delimitar las fronteras entre el ruido y la música.


Y es que si algo llama la atención de este corto es precisamente que está desprovisto casi por completo de animación, excepto unos pequeños fragmentos distribuidos aquí y allá por el corto, y que son apenas perceptibles. De hecho, la mayor parte del corto, no es otra cosa que una presentación de diapositivas, donde los diseños de Paul Julian se exploran mediante movimientos de cámara, se superponen los unos a los otros para simular transiciones o se modifican levemente para dar la idea del paso del tiempo.

Un estilo que, como digo, está en los límites de lo que se podría llamar animación, pero que sigue siendo, al conseguir transmitir, de manera notable, el cambio y el transcurrir del tiempo, pero sobre todo, al convertirse, de forma inesperada, en la mejor manera de traducir a imágenes ese clima alucinatorio y desasosegante del cuento de Poe. (...)"


"The plot focuses on a murderer whose increasing guilt leads him to believe he can hear his victim's heart still beating beneath the floorboards where he buried him. Seen through the eyes of the nameless narrator, the surrealistic images in the film help convey his descent into madness.
Paul Julian served as both designer and color artist for film, and Pat Matthews was the principal animator.
In May 1953, pre-production started on The Tell-Tale Heart, which originally was intended to be a 3-D film. However, it is not known whether or not the film was animated in this fashion, and it was not released in 3D if it was. There is no reference to 3D in a technical trade review. Furthermore, the leaders on original prints of the film do not indicate it ever was part of a pair of 3D prints, typical of all other 3D pictures."


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23 marzo 2012

L’ italiana in Algeri - Emanuele Luzzati & Giulio Gianini (1968)


The Italian Girl in Algiers / La Italiana en Argelia
No Dialogue / Sin Diálogos

Film elaborado a manera de segunda parte de la trilogía que los autores dedican al compositor italiano Gioachino Rossini. Siendo La Gazza Ladra, 1964 la primera parte; L’ italiana in Algeri de 1968 la segunda y Pulcinella de 1973 la tercera y última parte.


El argumento gira en torno a Isabella, una bella muchacha italiana que, junto a su amante, naufraga hasta llegar a las costas de Argelia; Lugar donde la belleza de Isabella será codiciada hasta por el Sultán mismo.


"El trabajo de Luzzati con el cine de animación comenzó a partir de su encuentro en Roma   en 1955 con Giulio Gianini, premiadísimo director de fotografía y uno de los pioneros en Italia en el uso del color. El interés de ambos por las imágenes animadas en movimiento coincidía, y casi inmediatamente iniciaron a trabajar juntos en films de animación, con Luzzati creando los diseños y Gianini realizando la fotografía y el movimiento de los personajes.
La técnica usada, sin embargo, no era el dibujo animado clásico, sino el llamado découpagecut-out, o sea, el uso de figuras recortadas que son movidas manualmente por el artista y fotografiadas, cuadro a cuadro. Entre los más conocidos animadores que utilizan tal técnica están la pionera alemana Lotte Reiniger, con sus films de siluetas en blanco y negro, y el ruso Yuri Norstein, tal vez el mayor maestro de la técnica, con su utilización de diversas camadas pictóricas que dan la idea de tridimensionalidad."
Tomás Enrique Creus; Entre el teatro y el cine de animación: apuntes sobre la obra de Emanuele Luzzati; telondefondo, revista de teoría y crítica teatral, nº 4, diciembre 2006. (telondefondo.org)


"- An Italian In Algiers was one of the more popular films of Emanuele Luzzati and Giulio Gianini. The film was made in 1969 and was, like many of their other films, an adaptation of an opera using the overture as its soundtrack.
The opera’s story is about Isabella, an Italian woman, who is shipwrecked in Algiers and has become the apple of the eye of Mustafa, the bei of Algiers. Although he has a bevy of wives and slave women, he wants Isabella. Through cunning, she manages to escape Algiers with her young lover and a number of the slaves of Mustafa. Essentially, the short film tells this same story - but without words."


"(...)The tale is light in touch throughout, from the introductory verse at the outset as the waves lift up the tiny boat containing Lindor and Isabel from Venice in rumbustious time to the music. Castaways now on the rocks off the battlements of Algiers, Ali, “a treacherous knave”, spies the shipwrecked girl and plans to add her to his master’s already plentiful harem, a plan with which said Mustapha heartily concurs. The remainder of the movie concerns the pair’s attempt to thwart the lascivious Bey of Algiers. This is not highbrow drama. There is a great sense of fun throughout. Isabel spies the soldiers from the beach and thrusts her lover's head out of sight just in time; there follows high farce as she uses her plentiful charms to both encourage her suitor whilst shielding the ardent Lindor from their gaze. The use of cutouts with caricatured faces that dart about the screen, exuberant colour and the sheer quality of design all enrich our world of animation. Such riches - Lindor's ardour, Isabel's fluttering fan, Ali's knavery, Mustapha's female retinue."

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22 marzo 2012

Neco z Alenky - Jan Svankmajer (1988)


Alicia / Alice
Checo/Czech | Subs: Castellano, English

Cuando uno habla de Alicia en el país de las maravillas se imagina un cuento maravilloso pero cuando se habla de Svankmajer uno tiene que saber de quien se habla y así se sabe lo que se está viendo.
La versión de Alicia que nos presenta el director checo está dentro de su estilo, y esta vez más que nunca.
Svankmajer es un director famoso sobre todo por sus cortos donde se mueven en un estilo surrealista, realista y tenebrista, cortos donde utiliza la técnica de animación tan característica de su cine.



Sabiendo esto debemos de sentarnos a ver su cine, tan característico, donde no solamente muestra una visión surrealista sino que muestra también un realismo, pobreza de las gentes de los países bajo el dominio soviético, este es el realismo de Svankmajer pero a su vez de este realismo salen figuras y situaciones tan surrealistas y raras que han influenciado a directores tales como Tim Burton.


El cine de Svankmajer tiene sello propio, tiene un estilo propio, a veces gusta muchísimo, como es mi caso o a veces disgusta pero uno ha de saber que es un estilo muy personal.
Este es el caso de Alicia, una base perfecta para el director checo pues la base de esta historia tan clásica son los sueños y lo ilógico de estos, historia que le sirve a Svankmajer para mostrar todas las figuras e imaginación que lleva en su cabeza.

No es la versión americana ni mucho menos, es Svankmajer, es decir tenebrismo, decadencia, surrealismo, donde todo es ilógico dentro de sus personajes.
Quizás no se tiene que ver como la clásica historia de Alicia sino la historia de Alicia como la base de un guión donde Svankmajer despliega toda su imaginación.
Película buena en su estilo pero es verdad que no es para todo tipo de públicos, más bien para esas personas conocedoras del estilo de este director checo y que les guste dicho estilo.
manuel (FilmAffinity)


Después de poder ver en los cines la nueva versión de Alicia, que nace de la mano de Tim Burton, necesitaba ver una película que hiciera algo de justicia a esa fantástica historia que narran las palabras de Lewis Carroll. Ésta no podía ser otra que “Alice” o para los que lo prefieran “Neco z Alenky”, que es su título original.

“Alice” es una obra maestra del cine de Europa del Este, más concretamente de nacionalidad checa. Su director, Jan Svankmajer, que ya nos sorprendió con otros grandes títulos como “Los conspiradores del placer” o “Lunacy”, dos grandes largometrajes que, sin embargo, no alcanzan las cotas que corona “Alice”, su primera película. Como ya he dicho, está basada en el libro de Lewis Carroll aunque no lo siga de forma fidedigna, ya que mezcla los sucesos de la historia con un aura tenebrosa, valiéndose de los objetos cotidianos. Y es que “Alice” es una película que aúna la animación en stop motion, reservada para el mundo de fantasía y para una diminuta Alicia, y el metraje para las escenas en las que la protagonista es gigante o de tamaño normal.

Una de las principales diferencias de esta adaptación con respecto al resto de películas es la falta de colorido, la ausencia de tópicos infantiles y moralejas resabiadas. “Neco Z Alenky” es un largometraje en el que abunda lo oscuro, lo macabro y tenebroso, conformando estas características algunos de los pasajes más recomendados de la película. Los personajes no se salvan de esa ola de terror y surrealismo oscuro: sin ir mas lejos, el primer personaje de este mundo de las maravillas en aparecer, el conejo, es una pieza disecada de ese mismo animal, la cual no duda en sacarse las astillas que le sirven de relleno mientras se cose y descose su propio cuerpo. Éste es uno de los muchos ejemplos; el resto de los habitantes del mundo fantástico están formados por ratas, figuras grotescas compuestas por huesos, trozos de carne vivos, cucarachas en latas de conserva, gusanos y ranas de porcelana glotonas, sin olvidarnos de la corte de corazones, con su rey y su reina, representados íntegramente por cartas, entre otros muchos. Una mención especial se merece la liebre de marzo y el sombrerero loco, encarnados por dos figuras de madera rotas a las que se les acaba muy rápido la cuerda. Todos estos individuos no serán amables con Alicia, sino todo lo contrario, la perseguirán con unas intenciones misteriosas que no son desveladas en toda la película.

La historia está narrada por la propia Alicia, que se desdobla para hacer de narrador, de cual sólo se ve la boca, y de la protagonista de la trama. El ritmo es lento y se obsesiona con los detalles, los gestos y la composición surrealista de cada escena. Los diálogos son muy escasos, transmitiendo en la mayoría de las escenas mucho más las acciones de los personajes y el aura que se respira.

En definitiva, todos estos rasgos conforman una película increíble, que logra transformar un cuento que, históricamente, ha sido conducido a los más pequeños en una trama oscura y tenebrosa que hará las delicias de los mas curtidos cinéfilos.

Resumen:

Una película para disfrutar de un aura desgastada y surrealista siguiendo los pasos de una Alicia de porcelana de la mano de uno de los genios del cine checo.


A memorably bizarre screen version of Lewis Carroll's novel 'Alice's Adventures in Wonderland', mixing one live actor (Alice) with a large variety of stop-motion animated creatures, ranging from the complex (the White Rabbit) to the incredibly simple (the Caterpillar, consisting of a sock, a couple of glass eyes and a pair of false teeth). The original story is followed reasonably faithfully, though those familiar with this director's other films won't be the least bit surprised by the numerous digressions into Svankmajer territory, living slabs of meat and all. As the opening narration says, it's a film made for children... perhaps?
Michael Brooke (IMDB)


Blu-ray rip (720p) por CiNEFiLE (con Subtítulos en Castellano agregados por mí)


Links

http://www.mediafire.com/?nl1w1qhxjglx8

English subs:
http://www.opensubtitles.org/en/subtitleserve/sub/3120096

21 marzo 2012

T.R.A.N.S.I.T. - Piet Kroon (1998)


No Dialogue / Sin Diálogos

Animación ambientada en los años veinte que narra, a manera de retrospectiva, la historia de Emmy, una mujer dividida entre el amor de dos hombres, Oskar y Felix. En la lucha por este agitado amor, los personajes recorrerán diferentes cuidades del mundo.
Nominado al BAFTA, el corto desarrolla un estilo visual y narrativo único animado por un artista diferente, entre los que se encuentra, por mencionar alguno, Michael Dudok de Witt.


"Piet Kroon's T.R.A.N.S.I.T. is a 12-minute masterpiece set across Europe between the wars. This dialogue-free mystery story is told backward, with shifts in location (Cairo, Baden, Venice and finally The Orient Express)--all held together through the travel stickers on a leather suitcase. What we suppose at first to be a tale of espionage turns out to be something different; real pain and tragedy take the place of the Agatha Christie/Graham Greene entertainment we were expecting. Kroon has made T.R.A.N.S.I.T. ambitiously, sensuously beautiful, but he also takes apart the illusions of the time. After he delivers an aerial view of a white luxury ocean liner, with shuffleboard games and attenuated passengers, he dives into the smokestack to show us the stokers in the belly of the ship, working in the flames and the darkness."


"(...) From an analytical viewpoint, what makes T.R.A.N.S.I.T. so fascinating is that these three unusual elements aren't just there for show. The film needs them in order to work.

First, the art styles. Though the film was written and directed by Piet Kroon, director of DaDA, production designer Gill Bradley actually created the designs for each segment based on art styles popular around the time of T.R.A.N.S.I.T.'s setting. The result: seven examples of individual artistic sensibility unified by the vision of one person. As well as a different location, each segment also uses a different palette and evokes a different mood, providing a kind of visual barometer of the emotional ups and downs of young Emmy's life. What's amazing is that despite the different styles and directors, a casual viewer could look at any two sequences and never doubt that they're from the same film.


(...) Next, the reversed storytelling. Whereas Seinfeld used this device for comedy, T.R.A.N.S.I.T. uses it for tragedy. In the first (last?) four segments, we see three lives being destroyed; in the last (first?) three, we see the events that led up to it all, and experience a certain sense of inevitability. We want to warn Emmy of what her actions will bring. As more is revealed, we also want to warn Felix, then Oscar. However, like some mythical prophet, we've seen the future and all we can do is observe.

Reversed storytelling is a wonderful device when it works, and it works well in T.R.A.N.S.I.T: seemingly straightforward events are all the more significant because we know the consequences of the characters' actions. T.R.A.N.S.I.T. combines many of my favorite aspects of Peter Chung's Æon Flux, not the least of which is stellar, non-linear, dialogue-free narrative. It's relatively easy to find films that effectively tell stories without dialogue. What's harder is finding films that tell complicated, emotionally laden films without dialogue. Narrow those down to the few that use unconventional structure, and you're left with a scant handful. T.R.A.N.S.I.T. is one of them.

T.R.A.N.S.I.T. also features an evocative score which wraps around the viewer and draws him into the story; a story which requires the viewer to pay attention to detail and actively think about the events on the screen, rather than have everything spelled out. Revelation and understanding are earned as the mysteries of the past are peeled away. It's a feast for the mind as well as the eyes and ears.


All of this leads to my disappointment with the film's end, which I won't reveal here. First, we see the seemingly immortal suitcase meet its demise. Second and more importantly, subtitles come up to tell us a little about Emmy and Felix, and what happened to them. After brilliantly unfolding the events over ten minutes without titles or dialogue, to have this final morsel revealed so blatantly is just out of place. It doesn't exactly wrap things up, but it detracts from that ingredient we had savored throughout the rest of the film; that delicious sense of gradual, though maddeningly incomplete understanding. Ultimately, the real pleasure of T.R.A.N.S.I.T. is not in the destination, the film's ending, but rather in the journey we took to get there."


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