Lisa i zayats - Yuriy Norshteyn (1973)

Лиса и заяц / La Liebre y la Zorra / The Fox and the Hare

Ruso / Russian | Subs: Castellano (gracias a Yefren)

Es invierno y tanto la liebre como la zorra viven apacibles en sus hogares; la casa de la liebre es una modesta cabaña hecha de madera y la de la zorra es un hermoso palacio de hielo.
Una vez pasado el invierno y llegada la primavera, aquél hermoso palacio en que vivía la zorra se convierte en una simple charca, quedando así la zorra sin hogar. Entonces, para remediar este hecho la zorra decedirá apoderarse del hogar de la indefensa liebre, dejando así a la pobre desconsolada y sin hogar.
Algunos de los animales más fuertes, al ver la tristeza de la amigable liebre, decidirán ayudar, aunque trsitemente sin éxito alguno. ¿Podrá la pequeña liebre recuperar su hogar?
Adaptación al cuento popular ruso escrito por Vladimir Ivanovich Dal.

 

""Había una vez un zorro y una liebre. El zorro tenía una casa de hielo y la liebre una de madera… Y un bosque nevado envuelve a la libre gritando mientras el zorro presume de su palacio de hielo. La mano del artista puede crear caricias de eterna permanencia y Yuriy Borisovich Norshteyn es un maestro en acariciar historias y espectadores por igual, uniéndonos en el terreno de la sugerencia. Sus películas son alma para la experiencia artística.

 

 Nació en 1941 cerca de Moscú en plena evacuación de la ciudad a causa de la guerra. Circunstancias difíciles que sin duda influyeron en su amor por la delicadeza. Estudió en una escuela de arte, trabajó en fábricas, cursó estudios de animación y colaboró en una cincuentena de películas hasta que dirigió su primer trabajo, El día 25, el primer día (1968), compartiendo la dirección con Arkadii Tyurin y sirviéndose de trabajos de artistas soviéticos revolucionarios para así conmemorar la Revolución de Octubre. Siguió en los pasos de la codirección en La batalla de Kerzhents (1971), donde echa mano de frescos medievales para recrear la resistencia ante los tártaros.

Siempre está perfeccionando su técnica de animación basada en el uso de láminas de vidrio con las que crear una atmósfera ensoñadora. Las historias pasan a una dimensión mágica que las convierte en únicas aún siendo de origen tradicional. Un cuento en las manos de Norshteyn se torna vivo y de dimensiones especiales. Sus cielos son parte de su particular manera de crear universos desde lo popular. Quizás es la manifestación más certera de que la ilusión es propia de la infancia pero no exclusiva de ella. Las personas suelen no tener ilusión por la vida al pasar los años pero Norshteyn pinta sus cuentos con fascinación por la existencia. Todo detalle es importante y él no sólo siente ilusión, la crea.

Trabajos como El zorro y la liebre (1973), La garza y la grulla (1974) y Erizo en la niebla (1975), nos muestran toda su sensibilidad siempre bien acompañada por la música de Mikhail Meyerovich y la narración de Viktor Khokhryakov. En todas ellas se ha ganado la admiración del mundo cinematográfico incluso en los tiempos en los que el telón de acero aún no había caído. Sus colores, sus mosaicos, sus paisajes de mundo propio intenso y evocador, nos trasladan a sentimientos donde nuestra imaginación parece poder volar libremente. Todo es posible en Norshteyn, incluso la ternura. Tras ellas, llegó su más conocida obra, El cuento de los cuentos (1979), una maravilla que hace honor a su título.

Tras premios a ambos lados del muro, fue despedido a mediados de los ochenta por trabajar en su nuevo proyecto con excesiva lentitud. Su artesanía no va con los tiempos que corren, pero perdura. Entonces trabajaba en el que es su último proyecto fílmico conocido, El abrigo, para el que no ha conseguido financiación todavía. Ahora se dedica a la divulgación y la enseñanza además de la publicación de libros de ilustraciones exquisitas como su reciente Nieve sobre la hierba (2005), extenso trabajo que espero pueda ser impulso para acabar su proyecto inacabado. Yuriy Norshteyn es el cuento en cuerpo y alma."

Juan Carlos Romero (Nau Nua)

"As my avid readers (assuming they exist) would know, I consider Yuriy Norshteyn to be cinema's foremost animator, creator of some of the most breathtakingly beautiful films I've ever seen. It is an unfortunate consequence that such extraordinary talent comes at a price, and Norshteyn's output has always been painfully restricted, not only due to difficulty in securing finances, but also because of his adamance that every frame be constructed with meticulous care and precision. As I work my way through Norshteyn's all-too-brief filmography, I came across 'The Fox and the Hare (1973),' an uncharacteristically whimsical effort – his other films have always struck me as being comparably sombre – and, stylistically, much similar to the work of Aleksandr Tatarskiy, namely 'The Plasticine Crow (1981).' The film is presented to us almost as a moving picture book, each scene taking place in a specific frame, as though we are periodically turning our attention from one page to the next.

 

 

As often happens, my willingness to watch the film overcame my desire for English subtitles, and so I'll wager that my interpretation of the story differs somewhat from the official plot; however, I think I managed to follow what was happening. As winter gives way to spring in the Russian wilderness, a crafty fox promptly expels a defenceless hare from his warm, comfortable residence, claiming the house for himself and leaving the poor owner to sleep outside under the stars. An assortment of compassionate animals – a wolf, a bear, a bull – take pity on the disheartened hare, and attempt to evict the cunning fox, but to no avail. Along comes a hilariously militant rooster, proud and tenacious, who marches into the hare's house and doesn't give up until the fox has been hounded back into the wilderness. The ending is a suitably upbeat one; the actions of the fox are condemned for their heartless immorality, and the hare, having acquired a good friend through his troubles, is allowed to enjoy the home that he has constructed for himself."

ackstasis (IMDb)

 

 

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Subtítulos (esp.)

 

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Pulcinella - Emanuele Luzzati & Giulio Gianini (1973)

No dialogue/Sin diálogos

El cortometraje Pulcinella es la conclusión de una trilogía que los autores dedican al compositor italiano Gioachino Rossini, utilizando, en este caso, como música la obertura del dramma buffo per musica "Il turco in Italia".

"...Es quizás uno de los trabajos más acertados de Gianini y Luzzati. Además del perfecto acompañamiento que las imágenes hacen a la música, aquí hay también la lograda creación de un personaje humano vivaz y una breve historia de gran empatía con el espectador. Para Gianni Rondolino, “Rica de momentos no solo humorísticos sino también patéticos y melancólicos, Pulcinella es ciertamente la obra más completa y original de los dos autores italianos”

...En este film el referimiento al mundo del teatro está presente todo el tiempo, desde el propio protagonista Pulcinella (personaje clásico de la Commedia dell’Arte), a los varios elementos teatrales utilizados en el film...

En líneas generales el film cuenta la tentativa de fuga de Pulcinella, que sólo desearía dormir, pero es perseguido (en la realidad y en el sueño) por figuras represivas — representadas, en el ambiente doméstico, por su mujer (que lo despierta y lo manda a trabajar), y fuera de la casa por los soldados que lo persiguen por haber “atentado” contra un monumento público... Ese aspecto libertario y humanístico de la temática ha sido resaltado por el célebre director de cine Federico Fellini, que en carta a los autores ha escrito:

"He visto vuestro “Pulcinella”. Bien, recordaréis cuanto me había gustado “La gazza ladra”, cuánto yo había admirado la fantasía figurativa, la creatividad humorística, el sentido de la fábula y las geniales soluciones gráficas de vuestro trabajo; no creía que hubiérais podido hacerlo mejor. Con placer les digo que, al contrario, lo habéis logrado. “Pulcinella” es más bello, tiene algo más, y este “algo más” es preciosísimo y pertenece a la poesía porque se refiere a un sentimento que en el otro trabajo me parecía menos evidente, y es el sentimiento de lo humano, del sufrimiento, de la necesidad insuprimible de la justicia. Vuestro Pulcinella, aún respetando la tradición de la máscara napolitana que pretende un clown fantasioso y canallesco, surreal e inmerso en los problemas de la sobrevivencia animalesca, cuenta sobre todo el drama grotesco y conmovedor de un hombre que quiere con todas sus fuerzas ser libre. No es así?""

Tomás Enrique Creus; Entre el teatro y el cine de animación: apuntes sobre la obra de Emanuele Luzzati; telondefondo, revista de teoría y crítica teatral, nº 4, diciembre 2006. (telondefondo.org)

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