Os Milionários - Mário Gajo de Carvalho (2011)

Los millonarios / The millionaires

Silente

Cinco personajes y el pecado mortal de la avaricia. Un círculo vicioso. Un cortometraje noir de animación sobre la codicia, con una textura que le da otra dimensión a la historia. Cinco veces ganancia. Si alguien te dice que el el dinero trae la felicidad, desconfía.

Cinco personagens e o pecado mortal da avareza. Um ciclo vicioso. Um pequeno film noir em animação sobre a ganância, com uma textura que dá outra dimensão à história. Cinco vezes ganância. Se vos disserem que o dinheiro traz felicidade, desconfiem.

Five characters and the capital sin of greed. A vicious cycle. A short animation film noir on greed. Its texture gives the story a different dimension. Five times greed. When you are told that money gives happiness it's time for you to be suspicious.

(FICG)

DVDRip por duder (KG)

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Mr. Pascal - Alison de Vere (1979)

Sr. Pascal

Sin Diálogos / No Dialogue

El señor Pascal es un viejo zapatero que, sentado a las puertas de una iglesia, recuerda su vida cuando era joven. De repente se percata que al lado suyo había un crucifijo clavado en la pared y, en un acto solidario, decide liberar del martirio a la figura clavada en la pared; dando esta acción paso a una festiva y trascendental liturgia llena de color y música, donde todos están invitados. 

Esta obra, al igual que el posterior cortometraje "The Black Dog", presenta como rasgo esencial un constante manejo de elementos simbólicos religiosos. En el caso de este cortometraje la autora decide destruir esa imágen oficial de un Cristo mártir y sufriente, y sin duda es una fuerte crítica al arquetipo cristiano propagado por ciertas instituciones eclesiáticas. Film ganador del Annecy grand Prix del año 1979 y nominado al mejor cortometraje en los Premios BAFTA del mismo año.

"Alison de Vere (Peshawar-Pakistán 1927- Cornwall, Inglaterra 2001) es una de las autoras más representativas de la animación contemporánea. Fue la primera mujer premiada en el festival de Annecy, donde recibió el premio especial del jurado con Café Bar en 1975.

Inició su carrera en animación en 1951, trabajando para Paul Grimault en The King and Mr. Bird. Durante los años 50 colaboró en estudios británicos como Halas & Batchelor, Trickfilm o Wayatt-Cattaneo, aunque sin duda alguna su trabajo más memorable fue la película (con música de los Beatles) Yellow Submarine (George Dunning, 1968), de la TVC, en paralelo, a sus películas como autora. Alison de Vere fue la supervisora de fondos en Yellow Submarine (la mejor intérprete de las ilustraciones y arte de Heinz, según Charlie Jenkins), también creadora de Eleanor Rigby, la chica solitaria que aparece al inicio de la secuencia musical especial de Charlie Jenkins, donde se combina la imagen real con fotografía y animación. Tras la experiencia de Yellow Submarine, Alison de Vere fundó su propia productora desde donde realizó títulos que han obtenido premios en festivales especializados de todo el mundo. Su filmografía incluye películas en dibujos animados, como Café Bar (1974), en la que se exploran pensamientos e imágenes acerca de las relaciones entre los dos sexos, Monsieur Pascal, también ganadora en 1979 del Grand Prix d’Annecy, el largometraje Silas Marner (1984), en el que adapta una novela de George Elliot captando la esencia del periodo. Ese mismo año realizó The Angel and the Soldier Boy y en 1987, la que ella consideró como su obra más importante, The Black Dog, un filme personal y profundo sobre el recorrido onírico de una mujer, guiada misteriosamente por un perro negro que recuerda una efigie egipcia. Tras esta película firma Eros & Psyche (1994), versión lírica del mito griego, mientras que en 1996 completa Mouse and Mole."

(Liccus)

"Old Mr. Pascal dreams of his youth as he sits beside a crucifix. He then decides to liberate the tortured figure of Christ and the world about him is transformed."

(IMDb)

"Mr. Pascal directed and drawn by Alison De Vere concerns an elderly shoe-maker, living alone now and dreaming of his youth and better times. The film commences in sketched black and white as we see Mr Pascal on a bench outside a church, watching passers by but isolated from them. Colour is introduced to the movie as he remembers his work as a cobbler, his wife and child watching on. Affixed to the church wall is a life-size figure of Christ on the crucifix. In a sudden fit of compassion for the tortured figure, the old man collects his tools from the shop returning to free Christ from the nails attaching him to the cross. He attends to the stigmata, wraps the figure in a blanket and lights a bonfire, created from the cross itself and the crown of thorns. He is joined by other companions of the night, a very mixed gathering that is rewarded by a night of miracles. Thus Mr Pascal frees himself from his woes and releases light and colour into the world, both symbolically and literally. This is an utter delight, and although it sits more in an Easter screening than the run up to Christmas, it is such an optimistic and invigorating movie, one I remember well from festivals in the 1990s when I first saw it. Technically and artistically Alison was adept. For example it is the tapping of the nails into the shoes of Mr Pascal's dreams that links with the wounds of Christ. All this is beautifully drawn. When the festivities begin the music of John Smith on guitar and Derek Hodson on flute, together with the now vibrant colour, create something very special. Similarly, the bursting into bloom of a blossom tree beside the church as Mr Pascal awakes from his slumbers is a most touching conclusion. She was nominated for a Best Short Film BAFTA for the 1974 film and won the Gran Prix at the Annecy Festival. Alison worked as design director on the The Beatle’s Yellow Submarine animation and contributed the Eleanor Rigby image used in the sequence for the song. She had a fitting training regime, working for Halas and Batchelor for five years during the early '50s. No training can have been better. Alison died in 2001 at the age of 73. I post about lots of movies, old and new, and thanks to those terrific collectors, in this case on YouTube, it is an absolute honour to be allowed an appreciation of such enchanting works and their creators. The seven minute movie begins my wind down to Christmas. Shorter posts to come on movies of a seasonal nature. Then a few selections of my movies of the year. Alison's may just be there!"

Ian Lumsden (Animation Blog)

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Pojedynek - Waldemar Mordarski (2002)

El Duelo / The Duel

Sin Díalogos / No Dialogue

En medio de un bosque nocturno dos soldados medievales luchan encarnizadamente entre sí; una batalla que durará hasta el momento en que ambos se vuelven uno solo, tornándose así una difícil lucha, aparentemente interminable e imposible.

Un interesante film elaborado por Waldemar Mordarski, en ese entonces estudiante del animador polaco Piotr Dumala.

"Two Knights duel in the forest. One of them disappears and becomes a man fighting himself; a fight he finds much more difficult."

(Tehran International Animation Festival)

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Accro C´est rigolo mais c´est salaud. - VV.DD. (2007)

Drogarse: es divertido, pero apesta / Hooked: it's fun, but it sucks

Sin Diálogos/No Dialogue

Un cortometraje que esquematiza de forma humorística la lógica maquinal interna, imposibilitada de autosuficiencia y de escape, del "adicto", por así decirlo (la traducción al español de accro es cocainómano). Film elaborado por tres talentosos estudiantes de la Esnad: Marie Opron, Léonard Cohen  y David Martin.

"La Ensad (École nationale supérieure des arts décoratifs o Escuela superior de artes decorativas existe desde ¡¡1766!!) es otra escuela francesa más que nos sorprende con los trabajos en equipo de sus estudiantes.

Accro en francés significa falopero y este corto tematiza la lógica interna del falopero, inserto en mecanismos autosuficientes, en donde el afuera está invalidado por la totalidad que significa el adentro.

Está realizado con crayón, en blanco y negro y es estupendo."

(Germán)

“A film that offers a reflection on addiction: we see the characters struggling, trapped in the gears of mechanisms, in the proper sense, which they can’t escape.”

The self reinforcing mechanism reminds of Hotel California, where “you can check out anytime you like, but you can never leave”.

Accro (short for accroché, which is French for addicted; or better: hooked) is a short animated movie by three students of the Ensad: Marie Opron, Léonard Cohen, David Martin. (...)"

(No Fat Clips!!!)

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Kodomo no Keijijogaku - Koji Yamamura (2007)

こどもの形而上学 / Metafísica de un Niño / A Child's Metaphysics

Sin Diálogo / No Dialogue

En esta obra Yamamura retrata desde esa delirante y particular perspectiva suya, la imagen de varios niños marcados con surreales problemas de identidad. Una acertada metáfora al moderno dilema de personalidad que sufre el confundido niño de hoy.

“A Child’s Metaphysics” fue premiado con diferentes galardones de festivales como ser el MONSTRA Lisbon Animated Film Festival, Prémio ONDA CURTA; Japan Media Arts Festival, Excellence Prize y el Hida International Animation Festival of Folktales and Fables, Special Jury Prize.

"A child whose head is numerals, a child who winds his own face and has it under his arm. What was left is his identity, a child whose eyes are provided by fishes, a child who lies down on the floor and head-butts his identity, a child who cannot say anything because of a zipper across his mouth. He undo the zipper but under it is another zipper...
Ecology and philosophy of children with sadness and humour."

YamamuraAnimation

"A head full of figures, a zipped up mouth inside a zipped up mouth, a spooling face, two eyes supported by fish. In distorting children’s bodies, Yamamura skillfully captures their mode of life. This is a philosophical Yamamura world that humorously and satirically depicts contemporary conditions surrounding children."

Kontejner

 

"Kōji Yamamura (山村 浩二 Yamamura Kōji, born June 4, 1964) is a Japanese independent animator who, since leaving a career as a background artist at an animation studio, currently[when?] directs, writes, edits, animates, creates the model sheets and background art for and sometimes produces his own short films and has worked on many commissions such as music videos, television advertisements, title sequences and station idents, both on his own and under or with other directors. He is also a regular illustrator of children's literature and textbooks. His animation spans a variety of media, his earliest independent works mixing clay painting and stop motion with cels, but has latterly come to concentrate on traditional animation. Two of his most famous and acclaimed films are the Academy Award for Animated Short Film-nominated and Cristal d'Annecy-winning Mt. Head and the Ottawa Grand Prize and Ōfuji Noburō Award-winning A Country Doctor. His 2011 short film Muybridge's Strings was one of five animated shorts nominated for Genie Award.

(...)Yamamura was born in Nagoya and studied painting at Tokyo Zokei University. His 2002 movie Mt. Head (Atama Yama) won the short film award for the Annecy International Animated Film Festival, the Grand Prize at the 2004 Zagreb World Festival of Animated Films and was nominated for the Academy Award for Animated Short Film. Yamamura won the 2007 Ottawa Grand Prix with his animated adaptation of Franz Kafka's "A Country Doctor." Both of the films were included in the Animation Show of Shows.
Yamamura also held an exhibition at the Aichi Expo 2005."

Wikipedia

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Boccioni's Bike - Skip Battaglia (1981)

Sin Diálogos / No Dialogue

Un hombre monta su bicicleta y comienza a pedalear a toda velocidad. Esta obra experimental es en sí un estudio del movimiento animado, en este caso el de un ciclista, a partir de una interpretación del estilo futurista italiano.

Estudio de movimiento, bien acompañado por la música de Django Reinhart. Una animación fluida y vigorosa que se ven interrumpida por formas geométricas y colores. Cae en cierta perdida de ritmo al final, abusando de formas en movimiento.

(Narkive)

""Boccioni’s Bike" is a personally animated lyrical interpretation of the movements of a bicyclist depicted in the graphic style of the Italian Futurists. “Boccioni’s Bike” is also a homage to the wheel and to rotational movement, the basis of our passing mechanical civilization.

Finally, not about a bicycle, but about acceleration.

This is the first film Battaglia drew, and evidence of his learning is in the image as he drew the film "straight ahead.""

(Vimeo)

"I am interested in abstracting imagery from a variety of working processes, and putting these into movement on film. The imagery is either drawn by hand frame-by-frame directly onto paper before shooting on film, or captured and modified by hand for a frame-by-frame film production. I work so that each short animated film engages the audience's perception and educates that perception on how the work must be viewed. My works therefore are not structured as commercial narratives, but are, rather, graphic musings on themes like: acceleration, the starry sky, looking, landscape. Continuities in my film are not provided by assembly-line smoothness, but by movement, sound design, argument, and emotion."

(Skip Battaglia)

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Yankale - Gil Alkabetz (1995)

Inglés / English | No subs

Un día el oficinista Jacob L, Yankale para su madre, llega inexplicablemente tarde al trabajo. Para dar con el motivo de tal retraso nos adentraremos en su rutina, pasando por su infancia y la edípica relación entre él y su asfixiante madre.

 

Este film elaborado a partir de dibujo sobre acetato fue ganador de un total de ocho premios,  entre los que destacan el Primer Premio al mejor cortometraje Internacional en el Festival de Cracovia, Polonia, el año 1996.

"This film considers the case of Jakob L (Yankale), a lowly civil servant who fails to turn up to work one day. We get to know more about him, his life, his childhood, and above all his relationship with his oppressive mother. His childhood is portrayed as a peaceful island, where time and formalities do not exist. The contrast between the square shapes of the office world and the rounded, organic forms of the sea and the island emphasize the conflict between our desires and our duties. This film won eight prizes at international film festivals."

(zomobo.net)

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Satiemania - Zdenko Gasparovic (1978)

Sin diálogos/No dialogue

Esta semana, en nuestra revisión de la lista de Annecy, le ha llegado el turno a Satiemania realizado en 1976 por Zdenko Gasparovic, pero más que el nombre de su realizador, que a la mayoría les sonará a chino, lo importante es que con este corto llegamos a uno de esos lugares míticos de la animación, con los que tanto les doy la lata.

Se trata de Zagreb Film, un estudio afincado en la ciudad del mismo nombre, por entonces perteneciente a Yugoslavia, y que de 1950 a 1990 produjo un total de 400 cortos de presencia obligada en los festivales de animación de todo el mundo. Un estudio que se podría decir que no tenía estilo, más allá de que toda su producción era experimental o como poco inusual, pero esta carencia de unidad estilística no suponía un defecto, sino una virtud, ya que lo que se intentaba es dar la máxima libertad a los autores, algunos sin ninguna relación con la animación, para que plasmasen sus inquietudes con este medio. Por supuesto, muchos de los cortos fueron fallidos, unos pocos obras maestras, pero ninguno sin su interés y su atractivo, simplemente por proponerse siempre ir un poco más allá, extendiendo los límites de la forma.

En el caso que nos ocupa, Satiemania, la excusa es un corta pega de fragmentos del compositorEric Satie, sobre el que se teje toda una serie de secuencias animadas, supuestamente inspiradas por la música. Esta evocación visual puede resultar sorprendente, cuando no escandalosa, para el espectador, ya que en su mayoría se trata de imágenes de fuerte contenido sexual, escenas de prostíbulo, o de una violencia no menos explícita, lo cual parece estar en contradicción con la nobleza y belleza ideal que nos transmite esa música.

Es cierto que en todo el corto anida una fuerte intención irónica, la contraposición de esa música perfecta con la fealdad y la deformidad de un mundo, el nuestro, en que los más fuertes realizan su voluntad y las relaciones sociales lo son de dominación y sumisión, pero no es menos cierto que Satie era un compositor con una fuerte tendencia a la ironía y la subversión, como corresponde a todo buen modernista, plagando sus partituras de indicaciones imposibles y mordaces que sólo el interprete podía leer e incluso mofándose del propio concepto de música, tal y como lo había entendido el romanticismo, al crear obras que no debían ser escuchadas, destinadas a llenar los espacios muertos en las representaciones teatrales.

Teniendo esto en cuenta, se hace posible conciliar un poco la aparente discordancia entre lo visto y lo oído en este corto, al unir la ironía del compositor con la ironía del animador. Sin embargo, más allá de esta subversión aparente, que no pasaría de ser una provocación huera, el corto, como la música de Satie, es un ejemplo magistral de rigor formal. Todo el movimiento que se muestra en el corto marcha al compás de la música de Satie, permitiendo así que sintamos el movimiento visto; mientras que la propia animación es cualquier cosa menos simple, no sólo por utilizar la deformidad como medio de crear variedad y de hacernos ver el mismo movimiento de manera constantemente renovada, sino por partir de dibujos y bocetos sin simplificar, que sólo se pueden dotar de movimiento a base de horas y horas de trabajo.

David Flórez (Caminando en círculos)

The Yugoslavian film "Satiemania" by Zdenko Gasparovic, is the most relentlessly violent film I have seen since "Fantasmagorie". However, where Emile Cohl's use of violence was merely for comic effect, Gasparovic's use of violence has a creepier effect, and of course, a more metaphoric meaning. It doesn't hurt that these strange images are complimented with the music of Erik Satie. Actually, this film is a great introduction to his work, although it leaves out his best known (and my favorite) piece, "Gymnopedie No. 1". This is forgivable though, for it leaves more room to introduce more works by this overlooked composer, none of which I had heard before I first saw this film.

Some of the imagery reminds me of a surreal sequence from Ralph Bakshi's "Heavy Traffic", specifically the parts with the fast paced music. There is one such part in "Satiemania" that is almost painful to watch. It is a rapidly paced montage of various cartoon characters getting shot, stabbed, beaten, and maimed, all in explicit, gory detail. I have a feeling this could be a reflection of Gasparovic's rage at being an unfulfilled artist. I looked up his filmography on the Internet Movie Database. Not only was Satiemania not even listed (something I later corrected), but his only two credits were as an animator. One for the original "Scooby-Doo" TV show, and one for that awful Canadian made film "The Nutcracker Prince" (1990). No wonder he's angry! I don't blame him.

Of course, some of the violent, disturbing imagery had a less jarring, but more haunting effect. Probably the most unsettling (and my favorite) image comes from a sequence set to a slow, melodic piece. An old, dinosaur-like woman eats a piece of cake. She bites great chunks off and gnaws on them greedily, spewing pieces everywhere. Then, without even flinching, she bites off the last piece. ALONG WITH HALF HER HAND! Blood spews everywhere, but the lady takes no notice. She continues to chew, staring blankly into the camera, as it slowly zooms forward. I get chills just thinking about that image, an excellent metaphor for all consuming greed.

(IMDB)

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