Aalterate - Christobal de Oliveira (2011)

Flotar / Float

Silente

Una mujer en coma flota en un espacio blanco, inmaculado. De repente, su cuerpo empieza a alterarse, aparecen unas formas orgánicas que van en aumento y llenan la pantalla. Comienza entonces la exploración de este cuerpo en mutación, del cual van a surgir las imágenes de un accidente.

(uniFrance films)

Es la primera película animada del director Cristóbal De Oliveira. El cual nos muestra con impresionantes efectos y formas de belleza sobrenatural la lucha entre la vida y la muerte. La mujer en estado de coma ha decidido suicidarse, pero su cuerpo que ya no le pertenece a ella, es parte de la naturaleza y se defiende con todas sus fuerzas. El cuerpo de una mujer flotando en estado de coma por un área blanca, inmaculada. De repente, el cuerpo comienza a cambiar y formas de plantas crecen fuera de ella, se enredan y, finalmente llenan toda la zona. Un viaje al interior del cuerpo empieza a aparecer, y las imágenes de un accidente de coche. La mujer quiere dejarse ir y sumergirse en el nuevo estado, pero su cuerpo instintivamente se aferra a la vida.

(forma es vacío, vacío es forma)

The body of a young woman floating in a coma by a white, pristine area. Suddenly, the body begins to change and plant forms grow out of it, becoming tangled and eventually meet the entire area. A journey into the interior of the body begins to appear, and the images of a car accident. The woman wants to let go and plunge into the world under her, but her body instinctively clings onto life.

"Float" is the first animated film by director Cristobal De Oliveira. The film was produced by Nicolas Schmerkin, the founder of "Autour de Minuit," who was also at the Oscar winner "Logorama" responsible for the production.

Christobal de Oliveira shows with impressive effects and unearthly beautiful forms of the struggle between life and death. The woman in a coma has chosen to commit suicide, but her body that no longer belongs to her, is part of nature and defends himself with all his might.

(Arte.tv)

Rip propio.

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Ik beweeg, dus ik besta - Gerrit van Dijk (1997)

Me muevo, entonces soy / I move, so I am

Sin diálogos / No dialogue

Una obra planteada a modo de autorretrato.

Todo comienza con una mano que, sujetando un lápiz, dibuja a la otra (cual obra de M.C. Escher), luego a los brazos, hombros, torso y así sucesivamente hasta dibujar en su totalidad al propio animador; utilizando para esta "auto-construcción" elementos icónicos del arte y la animación. Cortometraje elaborado a partir de la técnica de rotoscopía, ganador del Oso de Oro al Mejor Cortometraje en el Berlin Film Festival, el año 1998.

""La animación es la manera más poderosa de hacer películas porque, contrario al documental y a la ficción, puedes hacer lo que sea, lo que tienes en la cabeza.”
 

Gerrit Van Dijk, al igual que Bill Plympton o Jan Svankmajer, es un animador dueño de un mundo propio y una de estética e impacto visual asombrosos. 

Nacido en Uden, en 1938, este animador proveniente de los Países Bajos realizó su primer cortometraje en 1971 “It is good in Heaven”, una animación hecha con recortes. Desde ya, se intuyen las principales características de su cine, en donde abundan los elementos de crítica y transgresión, los mismos que no son presentados de una forma burda o vulgar, sino bella y estilizada.
En el universo de Van Dijk, cualquier elemento de la realidad puede ser convertido en algo hermoso, cautivante; seductor incluso. Hay un carácter poético en todos sus dibujos, aún en los más irreverentes y burlones.

Ver un corto de Van Dijk es como darle un repaso a toda la cultura del siglo XX (Con sus cosas buenas y malas) en cuestión de minutos. La belleza de sus animaciones va acompañada de un fuerte carácter reflexivo, y aún sus cortometrajes más simples dan mucho que pensar.
Sobran las palabras. Los cortos (Cada uno de ellos una obra de arte magnífica) Hablan por sí solos, con una voz y un lenguaje propios.

¿Habían visto alguna vez a alguien animarse a sí mismo?

"Soy un producto de los 60, la época de las revoluciones sexuales, políticas, Paris del 68, y todo eso está reflejado en mi trabajo. Cuando uno es joven, tiene deseos de transformar el mundo, y en mi trabajo se ve reflejado cómo esas fuerzas han ido transformándose en otras cosas. Prefiero dedicarme a lo que sucede en mi calle más que a otra cosa. Una lección para ustedes es que trabajen con el corazón, con las cosas que les gustan, y no tratando de complacer a nadie. Al principio, uno entra con el afán de contar historias, tiende más a la narrativa, pero a medida que vas desarrollándote puedes utilizar sólo imágenes para comunicarse... Puedo dar un ejemplo: hace como diez años me invitaron a dar un taller en Inglaterra sobre animación y una muchacha se dirigió a mi y me dijo que no tenía un personaje con el cual trabajar. Ella estuvo rompiéndose la cabeza tratando de buscar un gato, un ratón, hasta un caballero, pero no encontraba el personaje que le hacía falta. Entonces le dije que se usara como personaje; o sea, que usara a una muchacha que no podía encontrar un personaje y tal. Después de dos días fue a mi y me dijo: "Eureka, encontré mi personaje"."

 Alvaro (Muy Animado)

"In the beginning there was a hand, and this hand drew other hands, then shoulders, heads, legs and finally, the animator himself. Inspired by a wide range of works of art and styles of illustration, this is a film which is constantly reinventing itself in one continual motion - after all, to draw a "still life" would be like creating an image without life."

(IMDb)

"Gerrit van Dijk was born in a pious Catholic family in the village of Uden. He studied as a fifteen-year-old boy at the academy in Tilburg. He was not very satisfied about the school. "You only learn technique. The creativity you learn is no creativity at all. You know exactly what colour socks you should wear and what your hair should look like, but not how to put something on paper". After having finished his study, he limited himself to teaching only. When he took up the brush after many years to start for himself, his work met enthusiasm at home and abroad. He worked intensively with other artists from other disciplines on projects that often raised controversy.

His painting career ended abruptly when he saw Norman McLaren's films and bought a double-eight camera. He made his first film It 's good in Heaven and hasn't stopped since. He sees his shift to film as a logical continuation of his work as a painter, and considers his films moving paintings.

In the spirit of time, he turned his back deliberately to classic filmmaking. His films are collages that combine photographic images and image-by-image technique. His critical films of the eighties dealing with social injustice become more personal with an introspective view of the world.

Van Dijk continually searches for new forms and techniques. There are few two-dimensional techniques that he had not used: cell, cut-out, rotoscopy, pixilation or live action combined with animation. In A Good Turn Daily Van Dijk choses a form of technique for each scene individually, with an eye to expressing the content of thet scene.

Gerrit van Dijk has an extensive filmography. His films have been shown at many international festivals and won many prizes. For his films ´Pas a Deux´, which he made with Monique Renault, and ´I move, so I am` he received a Golden Bear at the Film Festspiele, Berlin 1989 and 1998. The refined technique of rotoscope is used again by Gerrit van Dijk to make the animated documentary The last words of Dutch Schultz. In 2006 he made the film Sold out in cooperation with Marie-José van der Linden. In 1998, he received the Order of the Dutch Lion from Queen Beatrix of the Netherlands."

(Wikipedia)

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Au bout du fil - Paul Driessen (1974)

Al final del hilo (El ovillo del gato) / Cat's cradle

Sin diálogos/No dialogue

Fuente de inspiración de Iván Maximov, este corto temprano del genio holandés funciona como antítesis de toda su obra. El argumento y el desenlace permanecen ausentes, tan solo rige el desvarío y la creatividad al servicio del cine (y la casualidad).

Germán (24fps)

Seguramente, si a un aficionado cualquiera se le preguntara por la cinematografía holandesa, lo más que llegaría a recordar sería a Verhoeven, famoso por Robocop, de infausto recuerdo, o si tuviera un poco más de cultura, nombraría a Joris Ivens, el gran documentalista de esa nacionalidad. Pocos, por no decir ninguno, estarían al corriente de que la holandesa es una de las grandes escuelas de la animación contemporánea, con figuras como Dukok de Wit, Rostro o Driessen.

Driessen, se lo adelanto, es una figura polémica en la animación. Polémica en el sentido de que nadie puede negar su pericia técnica y su imaginación, pero cuyo acendrado pesimismo, feísmo y rigor estético llevan a muchos a ignorar su cine o a considerarlo como un mero ejercicio de estilo. À bout du fil, es uno de sus primeros cortos, y aunque en él su pesimismo aún no esté tan desarrollado - cuenta incluso con un final feliz - si que lo están sus capacidades estéticas y es compromiso a ultranza que le lleva a no permitir concesiones.

Cuando hablo de compromiso/ultranza/sin concesiones me refiero a que Driessen lleva al extremo las características que se suelen asociar a la animación 2D. La mayoría de sus planos son estrictamente bidimensionales, negando, excepto en ocasiones muy concretas, cualquier indicio de profundidad o de perspectiva, mientras que sus personajes aparecen reducidos a meros contornos trazados con el lapiz y rellenados, si lo están, con colores uniformes y planos. Personajes, por otra parte, que están fuertemente caricaturizados y deformados, apenas reconocibles por algunos rasgos y lejos por tanto de cualquier intento por reproducir la realidad, quebrantando ese dogma no escrito, según el cual la calidad de una obra animada estriba en su cercanía a la realidad visible, para suplantar finalmente a esa propia realidad, error fundacional y fundamental de toda la animación 3D, salvo contadas excepciones.

El ejercicio de estilo, por seguir la argumentación de los detractores de Driessen,podría quedarse ahí, en conseguir una animación completamente distinta a la habitual... lo cual no hubiera servido para otra cosa, sino para que Driessen engordase la larga lista de animadores que buscaban distinguirse de los demás y al final acabaron siendo indistinguibles. Lo importante es que Driessen, como gran animador, da un paso más. Él sabe que una de las esencias de la animación es su absoluta libertad, de como el papel blanco y el lápiz pueden conseguir cualquier cosa, siendo su único límite el talento del animador. De esta manera, el animador holandés utiliza el hecho de que sus personajes no son otras cosas que meros contornos para transformarlos de una manera continua, jugando con los tamaños, nuestras percepciones y, sobre todo, el dentro y el fuera de cuadro, para mantenernos alerta durante toda la duración del corto, esperando lo imposibles, sorprendiéndonos a cada vuelta y revuelta de los acontecimientos

Y como siempre, aquí les dejo con el corto, para que lo disfruten. No esperen un mensaje del corto, porque no lo hay,no esperen ni siquiera un argumento, más allá de una excusa, sólo disfruten del juego formal que Driessen nos propone y del placer visual que supone el presenciarlo.

David Flórez (Caminando en círculos)

Corto nominado para los premios BAFTA en 1974.

Moody and unusual, somewhat morbid short 

This is a somewhat atypical short (if there is such a thing) produce by the National Film Board of Canada. The title is a reference to the string game called Cat's Cradle and the short is a moody and evocative work. One of Driessen's better works, it should be better known than it is at this point. Well worth hunting up. Recommended. 

Robert Reynolds (IMDB)

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Tulips shall grow - George Pal (1942)

Los tulipanes siempre florecerán

Sin diálogos/No dialogue

Tulips Shall Grow es un cortometraje de animación dirigido por George Pal, sobre un chico y una chica holandesa cuya idílica existencia se ve destruida cuando son invadidos por un grupo de hombres mecánicos llamados "Los rompecocos", que arrasan a todo lo que tocan.

Generalmente se reconoce como una alegoría no tan sutiles sobre la conquista de Holanda por los nazis. La caricatura fue nominada para el Oscar al Mejor Cortometraje.

Ray Harryhausen fue el animador en jefe de este corto. En 1997, la película fue seleccionada para su preservación en los Estados Unidos National Film Registry de la Biblioteca del Congreso como "cultural, histórica o estéticamente significativa". (PdB)

George Pal: Un verdadero pionero en el campo de la ciencia ficción y la animación.

Reconocido por múltiples organizaciones dedicadas a la ciencia ficción y al fantástico, nominado a siete premios Oscar y ganador de un Oscar honorario por las técnicas utilizadas en el desarrollo de sus “Puppetoons”, George Pal fue una de las grandes figuras de la industria de Hollywood durante por lo menos dos décadas, así como también un pionero en los campos de la animación y la ciencia ficción. George Pal nació el primero de febrero de 1908 en Cegléd, Hungría. Desde pequeño, demostró tener facilidades para el dibujo, talento que lo llevó en algún momento a querer estudiar arquitectura. Afortunadamente para los aficionados al cine, durante el período posterior a la Primera Guerra Mundial existia una sobrepoblación de arquitectos en Hungría. Fue gracias a las habilidades artísticas de Pal, que este consiguió un trabajo en la compañia Hunia Films, ubicada en Budapest. Al igual que Alfred Hitchcock, los primeros trabajos de Pal estaban relacionados con el diseño de las cartas de títulos usadas para presentar los diálogos de las cintas mudas, a lo que se le sumaba el diseño de algunos carteles de películas.

Para el tiempo que comenzaron a salir las películas sonoras, Pal había desarrollado un creciente interés en la animación. En 1931, él se mudó a Berlin donde la atmósfera creativa de los renovados estudios UFA fueron la cuna del concepto que daría vida a sus Puppetoons. Solo tres años después con la llegada de Hitler al poder, Pal se mudaría a Paris lugar donde conocería a un fabricante de cigarrillos que se percató del potencial comercial de la ideas de Pal. Los cortos comerciales debian ser entretenidos y atrayentes en aquel entonces, debido a que eran exhibidos durante los intermedios en las salas de cine. La animación en stop-motion que poseían los Puppetoons de Pallograron acaparar el interés de la audiencia a tal punto, que gracias a la campaña publicitaria creada por Pal le fue ofrecido un puesto de trabajo en una de las compañias publicitarias más grandes de Europa. Sin pensarlo demasiado, Pal aceptaría el trabajo lo que lo llevaría a vivir por un tiempo en Holanda. 

En 1939, Europa estaba al borde de su más terrible guerra. Pal y su esposa estaban pensando en mudarse a América antes de que el conflicto estallara. Afortunadamente para Pal, algunos ejecutivos de la Paramount Pictures estaban interesados en sus servicios, por lo que en diciembre de ese año arrivó a norteamérica. A su llegada, Palarmó un pequeño estudio, contrató personal y tras un año de trabajo estaria listo para lanzar sus primeros proyectos. En sus buenos tiempos, los Estudios Puppetoonproducian entre cuatro y seis cortos por año. Con un personal de aproximadamente treinta personas, Pal dedicaba seis semanas a preparar cada corto, otras seis semanas para filmarlo, y finalmente otras seis semanas de postproducción, aunque esto era variable.

El estilo Puppetoon de Pal es conocido por algunos sectores como “animación sustituta”. Pal una vez describió su técnica como: “En los dibujos animados, los personajes son dibujados. En los Puppetoons, yo construyo una marioneta y filmo un cuadro. Luego cambio la cabeza o la pierna de esa marioneta (depende de lo que se mueva en el cuadro), y luego filmo otro cuadro. Cada una de las palabras pronunciadas por las marionetas probablemente requiere nueve o diez cabezas, cada una con la boca en diferentes posición, para llevar a cabo la ilusión de que realmente están hablando. Si tu filmas 24 cuadros, tan sólo tienes un segundo de cinta. Es por esta razón que el proceso de los Puppetoons, como cualquier otro proceso de animación stop-motion, consume muchísimo tiempo”. 

El Puppetoon favorito de Pal era Jasper, el cual según Pal, era la versión negra de Huckleberry Finn. Este personaje protagonizaria 14 cortos, todos los cuales presentarian un elenco compuesto en su totalidad por marionetas negras. Estas gozaron de cierta popularidad hasta el momento que comenzaron a ser el blanco de críticas que aludían a ciertas características racistas por parte de Pal. Con el fin de aliviar la tensión creada por dichos comentarios, el músico de jazz Duke Ellingtonaccedió a participar en un corto de los Puppetons, tocando sus composiciones y dirigiendo a una orquesta de marionetas. Los cortos de los Puppetons recibieron múltiples nominaciones al Oscar, y en 1943 Pal recibió un Oscar por ser un pionero en la técnica de animación de marionetas. Pese a esto, a fines de los cuarenta laParamount ya no se mostraba muy entusiasmada con la serie de cortos, por lo que Paldecidió dedicarse a la producción de films. 

Fantomas (Cinema Universe)

Tulips Shall Grow is a 1942 American animated short film directed by George Pal, about a Dutch boy and girl whose idyllic existence is destroyed when they are overrun by a group of mechanical men called "The Screwballs", who lay waste to everything they touch; it is generally recognized as a not-so-subtle allegory about the conquest of Holland by the Nazis.

The cartoon was nominated for the Academy Award for Best Short Subject, Cartoons. In 1997, the film was selected for preservation in the United States National Film Registry by the Library of Congress as being "culturally, historically, or aesthetically significant".

(Wikipedia)

George Pal's motion picture career can be divided into two different phases. He first achieved worldwide recognition as the creator of the Puppetoons. Pal was originally an illustrator and animator, but he felt that the two-dimensional cel cartoons were too flat. He preferred the three-dimensional look of puppets, which he brought to life in his studio through the process of stop-motion animation. The "actors" in the Puppetoons were quite complex characters, being sculpted in wood and constructed with wire limbs that enabled them to be easily posed. In addition, these puppets were designed to use replacement parts, particularly the heads. By replacing heads with different expressions, the puppets could talk and indicate emotions. Central characters in the Puppetoons could have as many as 100–200 different replacement heads.

The 42 Puppetoons which Pal made for Paramount (Pal estimated that he created over 200 such short films in Europe) are not your typical "cat-chase-mouse" cartoons. Even within these short eight-minute films, Pal tried to construct a meaningful story and, perhaps, a lesson. For example, he created at least two anti-Nazi propaganda films: Tulips Shall Grow and Bravo, Mr. Strauss. Both films emphasized man's struggle for individual freedom against the oppression of a mindless army. The theme ofJohn Henry and the Inky Poo was the conflict between man and machine, proving man's will to dominate, rather than be dominated by machines. The Puppetoons remained extremely popular with the public through the 1940s, and in 1943 George Pal was awarded an Academy Award for the further "development of animation techniques." In 1948 the Puppetoons finally succumbed to skyrocketing production costs and Pal's studio at Paramount was closed. However, the end of the Puppetoons was also the beginning of George Pal's feature film career.

As a feature film producer Pal carried with him an immense enthusiasm for fantasy plus a wide knowledge of special effects techniques. (In fact, five of his features won Academy Awards for special effects.) This combination paved the way for some of the classics of the science-fiction genre, such as Destination Moon, War of the Worlds, and The Time Machine. Although these and other films can be categorized as science-fiction, Pal's films mainly emphasize the human quality of the story. Whereas most science-fiction films are dark, pessimistic visions of the future, Pal's films hold forth hope for mankind. For example, the time traveler of The Time Machine is searching for a world without war; Dr. Lao in The Seven Faces of Dr. Lao shows us that there is good in everybody; and the theme of When Worlds Collide is self-sacrifice amidst a struggle for survival.

Although Pal was never given the opportunity to work with a large budget (most of his films were produced for between $500,000 and $1,000,000), his enthusiasm for his work produced the best possible product for the money, and the majority of his films were great financial successes. Today many of George Pal's feature films and Puppetoons continue to be revived in both theaters and on television. However, some of his Puppetoons, particularly those featuring a little black boy named Jasper, have met with criticism for being racist. Such criticism both surprised and saddened Pal who, in his innocence, was not aware of such possible interpretations when he made the films. In fact, it is this "innocent" quality in Pal's films that gives them much of the charm that other producer/directors find difficult to express in their work.

(Filmreference)

Links

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The Heart of Amos Klein - Uri Kranot & Michal Pfeffer (2008)

El corazón de Amos Klein

Sin Diálogos / No Dialogue

Durante un transplante al corazón de Amos Klein, un poderoso e influyente hombre dedicado a la carrera militar, éste recuerda de manera retrospectiva los momentos más importantes de su vida. Cada recuerdo del personaje será correspondientemente recapitulado a partir de algún momento clave de la historia Israelí. 

Un film que, en un personaje arquetípico, condensa la belicosa e inestable situación en que el Estado Israelí se ha forjado desde su fundación.

Las técnicas de animación usadas en la elaboración del film son varias: comenzando por el dibujo sobre papel, además de escenas filmadas en live-action y fotomontaje de material de archivo.

"During a heart transplant operation, as he struggles between life and death, Amos Klein returns to siginificant landmarks over the course of his life. These correspond with key moments in Israeli history.His journey is a reflection of moral corruption, of militarism and indoctrination. 

The film is an allegory to the loss of innocence and compassion; it carries a powerful universal message regarding issues such as patriotism and individuality. While providing a historic and cultural context, the dictinct visual language allows for emotional insight into complex issues; As an animated documentary, the film utilizes technniques unique to the medium, incorporating stylized drawn animation with live-action and archive footage."

(Netherlands Public Broadcasting)

"The journey through Amos Klein’s past unfolds from the end to the beginning, using historic landmarks in Israeli culture and history. Amos Klein’s character although fictitious; is an archetype of a person corrupted by power. As a child Amos is forced to conform to the dictations of a militaristic environment, as he ages he looses his inadequacy along with his compassion. Amos Klein’s actions and choices define not only his character but the society which shaped him.

The film is an allegory of the loss of innocence and compassion; it carries a powerful universal message regarding issues such as patriotism and individuality."

(www.niaf.nl)

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T.R.A.N.S.I.T. - Piet Kroon (1998)

No Dialogue / Sin Diálogos

Animación ambientada en los años veinte que narra, a manera de retrospectiva, la historia de Emmy, una mujer dividida entre el amor de dos hombres, Oskar y Felix. En la lucha por este agitado amor, los personajes recorrerán diferentes cuidades del mundo.

Nominado al BAFTA, el corto desarrolla un estilo visual y narrativo único animado por un artista diferente, entre los que se encuentra, por mencionar alguno, Michael Dudok de Witt.

"Piet Kroon's T.R.A.N.S.I.T. is a 12-minute masterpiece set across Europe between the wars. This dialogue-free mystery story is told backward, with shifts in location (Cairo, Baden, Venice and finally The Orient Express)--all held together through the travel stickers on a leather suitcase. What we suppose at first to be a tale of espionage turns out to be something different; real pain and tragedy take the place of the Agatha Christie/Graham Greene entertainment we were expecting. Kroon has made T.R.A.N.S.I.T. ambitiously, sensuously beautiful, but he also takes apart the illusions of the time. After he delivers an aerial view of a white luxury ocean liner, with shuffleboard games and attenuated passengers, he dives into the smokestack to show us the stokers in the belly of the ship, working in the flames and the darkness."

Cine-Clásico

"(...) From an analytical viewpoint, what makes T.R.A.N.S.I.T. so fascinating is that these three unusual elements aren't just there for show. The film needs them in order to work.

First, the art styles. Though the film was written and directed by Piet Kroon, director of DaDA, production designer Gill Bradley actually created the designs for each segment based on art styles popular around the time of T.R.A.N.S.I.T.'s setting. The result: seven examples of individual artistic sensibility unified by the vision of one person. As well as a different location, each segment also uses a different palette and evokes a different mood, providing a kind of visual barometer of the emotional ups and downs of young Emmy's life. What's amazing is that despite the different styles and directors, a casual viewer could look at any two sequences and never doubt that they're from the same film.

(...) Next, the reversed storytelling. Whereas Seinfeld used this device for comedy, T.R.A.N.S.I.T. uses it for tragedy. In the first (last?) four segments, we see three lives being destroyed; in the last (first?) three, we see the events that led up to it all, and experience a certain sense of inevitability. We want to warn Emmy of what her actions will bring. As more is revealed, we also want to warn Felix, then Oscar. However, like some mythical prophet, we've seen the future and all we can do is observe.

Reversed storytelling is a wonderful device when it works, and it works well in T.R.A.N.S.I.T: seemingly straightforward events are all the more significant because we know the consequences of the characters' actions. T.R.A.N.S.I.T. combines many of my favorite aspects of Peter Chung's Æon Flux, not the least of which is stellar, non-linear, dialogue-free narrative. It's relatively easy to find films that effectively tell stories without dialogue. What's harder is finding films that tell complicated, emotionally laden films without dialogue. Narrow those down to the few that use unconventional structure, and you're left with a scant handful. T.R.A.N.S.I.T. is one of them.

T.R.A.N.S.I.T. also features an evocative score which wraps around the viewer and draws him into the story; a story which requires the viewer to pay attention to detail and actively think about the events on the screen, rather than have everything spelled out. Revelation and understanding are earned as the mysteries of the past are peeled away. It's a feast for the mind as well as the eyes and ears.

All of this leads to my disappointment with the film's end, which I won't reveal here. First, we see the seemingly immortal suitcase meet its demise. Second and more importantly, subtitles come up to tell us a little about Emmy and Felix, and what happened to them. After brilliantly unfolding the events over ten minutes without titles or dialogue, to have this final morsel revealed so blatantly is just out of place. It doesn't exactly wrap things up, but it detracts from that ingredient we had savored throughout the rest of the film; that delicious sense of gradual, though maddeningly incomplete understanding. Ultimately, the real pleasure of T.R.A.N.S.I.T. is not in the destination, the film's ending, but rather in the journey we took to get there."

Emru Townsend (T.R.A.N.S.I.T.: A Delicious Sense of Understanding and Journey)

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Father and Daughter - Michael Dudok de Wit (2000)

Padre e hija

Sin diálogos/No dialogue

Father and daughter (2000) de Michael Dudok de Wit es uno de esos cortometrajes llamados especiales, aunque más que un cortometraje sea quizás un pequeño poema visual. Y es que ese estilo de dibujo muy depurado, que prescinde de cualquier alarde barroco, que imita el dibujo a carboncillo, es de una sencillez engañosa. Engañosa en el sentido de que el dibujo es sencillo, pero su confección no lo ha sido en absoluto. Sus formas y sus texturas están pensadas y trabajadas al detalle.

Este cortometraje de animación es una coproducción europea (Británica, Belga y Holandesa), reflejo de los devenires de su autor. Michael Dudok de Wit es natural de la ciudad de Abcoude, en la provincia de Utrecht en los Países Bajos, y actualmente vive y trabaja en Londres. El recorrido artístico de este autor cumple la máxima de que un animador se puede convertir en celebridad de la noche a la mañana después de varias décadas de arduo trabajo. Ha trabajado como animador y director de animación autónomo desde 1978 en estudios como el de Richard Purdum, Passion Pictures y Folimage. También ha formado parte de los equipos de los estudios Disney para producciones como La Bella y la Bestia - Beauty and the Beast (1991) de Gary Trousdale & Kirk Wise y Fantasia 2000 (1999) de VV.AA. Asimismo, su nombre consta en los créditos del largometraje Heavy Metal (1981) de Gerald Potterton y del corto T.R.A.N.S.I.T. (1997) de Piet Kroon, entre otros.

Dudok de Wit es director y guionista de cuatro películas propias: Tom Sweep (1992), Le moine et le poisson (1994), Father and daughter (2000) y The aroma of tea (2006). Su talento fue mundialmente conocido con su primera nominación al Oscar en 1995, entre otros muchos galardones internacionales, por Le moine et le poisson (1994), y consolidado con su tercer trabajo, esta Father and daughter(2000) con la cual sí se alzó con la dorada estatuilla hollywoodiense al mejor cortometraje de animación en 2001, además de otros muchos reconocimientos internacionales. Más de 24 premios en los principales festivales y premios de animación avalan su gran trayectoria como autor.

El estilo de Dudok de Wit se distingue por los paisajes minimalistas, el trazo casi caligráfico, los tonos nostálgicos de su colorido y la ausencia de diálogos. Sumando a todo ello temas que calan hondo en la emoción del espectador. Father and daughter (2000) es un claro ejemplo, los paisajes abiertos y vacíos de su Holanda natal donde habla de la separación, la espera y el reencuentro ...

Una poesía sobre la vida, vedlo y disfrutad.

(Puntoaparte)

Cortometraje ganador del Oscar en 2000.

A father says goodbye to his young daughter and leaves. As the wide Dutch landscapes live through their seasons so the girl lives through hers. She becomes a young woman, has a family and in time she becomes old, yet within her there is always a deep longing for her father. (IMDB)

 

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