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23 mayo 2012

Kudan - Taku Kimura (2008)


Silente

Un hombre es accidentalmente transformado en el monstruo japonés Kudan.




La mitología japonesa es tan rica en leyendas que no nos extraña su influencia en todo tipo de obras audiovisuales orientales. En el caso que nos ocupa el director Taku Kimura (con la participación en la animación de Koichi Yamagishi y en la música de Karin Nakano) nos presenta un onírico y original corto de animación llamado Kudan. Kudan, en la mitología japonesa, es un monstruo con cabeza humana y cuerpo de vaca capaz de comunicarse con los hombres, que predice las catástrofes y muere a los tres días.



Japón, la animación y Taku Kimura

Una de las cosas que más me llama la atención sobre Japón es el salto cultural que ha dado en el último medio siglo. ‘Kudan‘, el muy premiado corto de Taku Kimura me hace reflexionar sobre el tema.

Repasemos: una sociedad completamente feudal y prácticamente aislada del mundohasta 1854, cuando el puerto de Tokio es forzado a abrirse al comercio internacional a cañonazos por los americanos (ya andaban por ahí con lo de siempre). Una gran industrialización y salto tecnológico en 1868 que lo convierte en una potencia regional y en un imperio asiático con el auge de una forma militarista de hacer las cosas.

Segunda Guerra Mundial, bombazos en Hiroshima y Nagasaki y conversión en protectorado de Estados Unidos. Desde entonces hasta los 80, se convierte en la segunda economía del mundo a base de una conversión radical y feroz al capitalismo moderno ¿Acaso un salto tan brutal no deja huella en la mentalidad colectiva?

Cada vez que veo mangas con todas sus explosiones y bichos raros mutantes no puedo evitar pensar en cómo interpretarían los japoneses de los años 40 el poder devastador de las bombas atómicas que borraron del mapa dos de sus grandes ciudades. Pienso también en la avalancha de conceptos occidentales que digirieron después de la guerra tratando de entender qué hizo a EE.UU. un país tan próspero y capaz de derrotarles de esta manera. La mezcla resultante es el Japón moderno, que, a pesar de todo, cuida sus tradiciones con afecto y pasión.

En el interesantísimo corto de Kimura creo ver una muerte muy parecida a la tradición Europea de “la seca segadora” medieval, que corta los “hilos” de la vida, a la manera de las Parcas griegas (las tres hilanderas que tejían el mundo con los hilos que eran nuestras vidas). El lugar desolado, oscuro y tecnológico al que va a parar el padre puede bien ser el mundo post nuclear y el humor que emplea le resulta muy familiar a un occidental. Uno no termina de saber si ve elementos de un Japón occidentalizado o es que Occidente se ha japonizado. Hay que decir que un kudán es una criatura mitológica japonesa que predecía calamidades.

De cualquier modo, ‘Kudan‘ es una historia entretenida y bastante bien contada. Una de las cosas que más agradezco estos días es que me cuenten una historia de una forma nueva y me rompan un poco los esquemas. El mundo de videojuegos de Kudán, desde luego, lo consigue.



As oppose to the mythological creature Minotaur, a monsters of western culture, a Japanese monster Kudan has a human head and the body of cow. Kudan is born from female cow. It speaks human language, predicts significant incidents such as war or disaster and dies in three days. This story is about a man who is accidentally transformed into a Kudan. One day the man, who doesn't communicate with his son well, receives a box by mail and he finds a strange helmet in the box. He is transformed into a Kudan when he wears it. Although his body stays in this world, his head is in another world, coming out from the cow's body. The helmet is a door to another world. In another world there are spirits of human beings, including the spirit of his son. The spirits form giant creatures like big trees. As he explores the world as a Kudan, he sees that the roots of the creatures connect to people individually in real world. They are sometimes pruned by strange creatures. He sees that they are about to cut his son's connection. He gets distraught and tries to help his son....

Although human beings look like they are individual life forms, the director Taku Kimura, feels that the gigantic life form consists of many cells which represent human beings. They are connected by "words" in his idea. The helmet is sent by the giant creature as a warning about how a lack of communication can destroy spirits in another world. The man regains communication with his son at last. 

The idea of director Taku Kimura about KUDAN is different from Japanese traditional story. He made up this film as his original story being inspired by the traditional story. In his imagination, KUDAN works as an interface which human being in the future to tell the story happend in the past by their head coming out from KUDAN cow's body.


SATRip por Irazar


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07 mayo 2012

Achilles - Barry Purves (1995)


Aquiles
Inglés/English | Subs: Castellano

Corto en stop-motion que muestra el amor entre Aquiles y Patroclo, personajes de la mitología griega, durante la guerra de Troya. Narrado por el gran Derek Jacobi.



Barry Purves es uno de los mejores animadores "independientes" ingleses, un maestro ganador de infinitos premios, un artista múltiple que también ha sido actor y director teatral. En este corto intenta resumir en 11 minutos la vida de Aquiles y gran parte de la Ilíada... y lo consigue.

Una belleza de corto para frotarse los ojos. Con escenarios de teatro, tono de tragedia griega, personajes que parecen esculturas y pinturas de antes de Cristo en movimiento, mímica, animación perfecta, luces expresionistas, una "puesta en escena" sin comparación en el mundo de la animación, griegos... 

Una visión profundamente moderna de las pulsiones homosexuales enterradas en el sustrato de la cultura homérica.
DavidM (DXC)



Nace en 1955. Comienza su formación en la Universidad de Manchester donde estudia dramaturgia. En 1978 comienza su carrera cuando ingresa a trabajar como animador a Cosgrove Hall Productions.

Desde ese momento se desempeña como animador para diversas compañías como Ardman, BBC, Granada TV y Redwing, realizando publicidades, videoclips y secuencias de títulos de largometrajes, como así también ha dictado una gran cantidad de cursos y seminarios de animación. A principios de los ‘90 funda Bare Boards, su propia productora, desarrollando numerosos trabajos por encargo y asesorando a importantes películas y realizadores como ¡Marcianos al ataque! (Mars attack!, 1996) de Tim Burton, El Señor de los Anillos (The Lord of the Rings, 2001-2003) de Peter Jackson y en los estudios Aardman junto a los creadores de Wallace & Gromit.

Su filmografía comprende Hamilton Mattress (2001); Gilbert and Sullivan: The Very Models (1998);Achilles (1996); Rigoletto (1995); Screen Play (1993); Next (1989).



DE LA VIDA DE LAS MARIONETAS 
(fecha de realización: Abril 2006) 

Descubrir el mundo de Barry Purves es ingresar ciertamente en el terreno de lo fantasioso, de la magia, del animismo. Animación, para él, conlleva adentrarse en el mundo de la imaginación, en el mundo de los sueños, pero también en la reflexión y el pensamiento. El amor que tiene por sus marionetas y por la animación en general es contagioso y excitante. Quizás parte de su magia radique justamente allí: en inyectar pasión y sentimientos vivos a sus creaciones, porque indudablemente Barry Purves es un mago, un alquimista, un creador de vida, ó, para ser precisos, un Animador.
Por Pablo Acosta Larroca y Nicolás Aponte A. Gutter

Antes de dedicarte concretamente a realizar películas estudiaste drama en la Universidad de Manchester e incursionaste también en el campo de la actuación. ¿Cómo se produce entonces tu acercamiento al cine de animación o, mas precisamente, a las marionetas? ¿Por qué la elegiste como forma de expresión?

A través del estudio del drama vi diferentes formas en que las personas contaban historias: Shakespeare contaba historias, los griegos contaban historias y yo amo contar historias. Y el teatro es muy artificial, muy consciente de su artificio, como lo es la animación. En lo que respecta a contar historias los dos son una celebración del artificio. Y el corazón de todo teatro es el actor y el corazón de mi trabajo es la marioneta, no los efectos especiales, no el set, no el vestuario... es la marioneta lo más importante para mí. Todos mis films son acerca de la marioneta, actuando, siendo emocional, siendo dramático, pero es la marioneta la cuestión principal.

En tus films se puede reconocer una gran impronta teatral, adaptando obras y clásicos como en Next (1989) con fragmentos de obras de Shakespeare; Screen Play (1992) con influencias del Kabuki; Rigoletto (1995) en el que trabajás la ópera. ¿Lo utilizás para lograr una comunicación directa con el espectador, como modo de llegar rápidamente al público que ya conoce estas historias?

Me gusta hacer cosas que otras personas no hayan hecho antes y me gusta la ópera, me gusta Shakespeare y me gusta usar las convenciones de Shakespeare o de la ópera, para contar mi historia. Como en Achilles, donde usé las convenciones del drama griego pero para decir algo acerca de las relaciones entre las personas. Son sólo diferentes maneras de contar historias. Es simplemente tratar de hacer algo diferente. Llevar a la animación donde no haya estado antes.

¿Cómo surgió la idea en el caso particular de Achilles?

Estaba buscando una forma nueva de contar historias y quería trabajar con un coro. Del teatro griego me gusta la intervención del coro en el contar la historia, donde puede ser la conciencia del personaje o el mismo ejército -podían interpretar muchos roles-, es muy artificial y sabíamos que queríamos hacer algo griego. Y si usaba las convenciones del drama griego sabía que no tenía que construir todo, que el coro podría ser el set, el barco, podría ser cualquier cosa que yo quisiera construir. Y queríamos hacer un film bastante sexy acerca de la relación personal.



Inclusive en Achilles usás muchísimo el fondo negro como recurso ¿Cómo pensás la puesta en escena en ese sentido?

El negro está ahí porque resalta a la marioneta, hace lucirla y, además, con el fondo negro podés hacer un montón de trucos. El negro es muy clásico y sofisticado y resalta a la marioneta de una manera hermosa. Además me gusta mucho jugar con las luces como un elemento mágico y usar el negro me permite tener personas que aparezcan de la oscuridad, no tenés que hacerlos venir desde lejos, es un ahorro. Pero es también por la imaginación: vos podés poner ahí lo que sea que tengas en tu mente. Ese film no hubiera funcionado si hubiera construido un gran templo o un barco o los ejércitos de Troya. Es todo acerca de... lo situé en círculo, entonces todo el foco está en las dos marionetas. ¡Tenía tan poco tiempo! Tenía once minutos. Como no estoy interesado en el set sino en la marioneta el negro es el recurso más apropiado. Y el film Achilles creo que es una celebración de la carne masculina (male flesh) y en el negro podés ver cada curva de la marioneta. La marioneta luce fantástica sobre negro. Toda mujer sabe que luce bien en negro, resalta las curvas.

Más allá de las estructuras del teatro clásico -que son parte de tu inspiración-, ¿Cuáles son los temas que te motivan para realizar tus animaciones? ¿Qué cosas te preocupan y querés comunicar a través de tus animaciones?

Las relaciones entre las personas y el contar historias, encontrar maneras interesantes de contar una historia y llevar a la gente a no tener miedo de la cultura, creo yo. Lo tienen en Inglaterra. Tenemos que tener cuidado con los niños, que no hagamos todo tan simple que no quede nada para disfrutar. Provocarlos, hacerlos entusiasmar con el aprender, desafiar su imaginación. Contar historias no se trata de vender juguetes.

¿Y qué creés que atrae a los adultos de la animación?

Creo que la imaginación y el hecho de mirar algo desde una perspectiva diferente. Es una metáfora y podemos decir cosas que no podríamos decir en la vida real.

¿Creés que la tecnología permite contar nuevas historias, contar cosas que antes no se podían?

Debemos ser cuidadosos porque cuando todo es posible ya no nos sorprendemos. ¿Conocen el filmMary Poppins? (asentimos afirmativamente con la cabeza). Cuando ella vuela con el paraguas sabemos que está colgada de algo, pero eso es parte de la magia. Hoy todo es computadora y sabemos que Julie Andrews no cuelga de una soga. De alguna manera tenemos que ser cuidadosos de que la computadora no se lleve la magia, que el truco es la manera de contar la historia. La magia funciona mejor cuando hay un límite, como en un escenario: sabés que ellos están ahí y cuando parecen hacer algo mágico es brillante. Cuando un mago te muestra la galera y está vacía y después saca de ahí un conejo, eso es brillante. Pero de alguna manera con las computadoras no hay límite y es más difícil sorprendernos, lo logran, pero es más difícil. Pienso que Peter Jackson es un mago, porque justo cuando creés que viste todo lo que puede ser hecho con computadoras, hace algo brillante. Creo que lo brillante de King Kong de Peter Jackson es el modo en que Kong interactúa con Ann. Ella lo mira y él la mira y parecen estar en el mismo espacio, eso no sucede a menudo en animación. Te hace creer que Kong está allí y cuando ella lo toca, su pelaje se mueve, creés que estuvo en el mismo espacio y eso es muy inteligente.
(Extraído de una entrevista realizada por Grupo Kane)



The stress of the Trojan War puts the already complex relationship between Achilles and Patroclus under further strain. 

Director's comment about this work
"Achilles of all the films I had done, drifted off in all manner of unnecessary directions before finally coming into focus. My first idea was the story of Orpheus and Eurydice... but a detailed treatment came in at about twenty-five minutes, and Channel 4 were giving me eleven... I started to find something racier that could push a few animation boundaries. The confused sexuality of Achilles seemed perfect, but this was a complicated story and one lacking in any obvious animation opportunities. You can't mention Achilles without mentioning Paris, Helen, Hector, Agamemnon and other characters... To do this in eleven minutes seemed worrying... I wondered how to focus on the relationship between Achilles and Patroclus without the others getting in the way. This intense physical relationship developed into the focus of the film, rather than any more Harryhausenesque aspects of the Greek myths. Intimacy had not really been treated seriously with puppets... The Achilles puppets had cracks added into their skins and green weathering, reinforcing the idea that these are statues, not humans, although people still ask whether they are actors in make-up. One shot in particular, with Achilles on his back drinking, confuses people. I put this down not to great acting but to a credible pose. This film would have worked differently with actors, the nudity becoming an awkward distraction (nudity immediately separates the actor from the acting), but it might make an interesting dance piece - I wanted as much choreographed movement as possible." 

Awards: Brazil, Melhor Animacao, Best Film, 1998; Carolina Film Festival, Prize for Technical Excellence, 1998; Animexpo, Korea, Special Jury Prize, 1997; Barcelona Film Festival, Audience Prize, 1996; Florida Film Festival, Animation Prize, 1996; Hiroshima, Special Jury Prize, 1996; Dresden, Second Prize, 1996; Turin Gay and Lesbian Festival, Audience Prize, 1996; BAFTA, Short Animation Nomination, 1996; Leipzig, Golden Dove Award, 1995; Anima Tereul, Best traditional Film, 1995; Bilbao, Silver Medal for Animation, 1995.



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03 mayo 2012

Legendy Peruanskih Indejcev - Vladimir Pekar (1978)


Las leyendas de los indígenas peruanos / The legends of Peruvian indians
Ruso/Russian | Subs: Castellano, English

Los Mochicas animados en Rusia con la direccción de Vladimir Pekar, y la música de Eduard Artemyev. Un maravilloso ejemplo de como la iconografía y pictografia Moche (siglos I y VI d.C.) aunado a un trabajo bien llevado de cut-out (recortes, collages, animados) pueden potenciar el relato cultural, es como si la historia graficada por los Mochicas en los templos como el de la Huaca del Sol y la Luna cobraran sentido frente a nuestros ojos. Destaca en este trabajo su correcto uso del color y diseño.




En el período cultural conocido como Desarrollos Regionales existió en la costa norte del Perú un pueblo poderoso y muy guerrero conocido como la sociedad Mochica.

La cultura Moche o Mochica surge y se desarrolla en los siglos I y VII, teniendo como escenario la larga y angosta franja desértica de la costa norte del Perú donde se encuentran los restos de sus templos piramidales, palacios, fortificaciones, obras de irrigación y cementerios que testimonian su alto desarrollo artístico, tecnológico y compleja organización.

Es la cultura más conocida y admirada del Perú. Una de las más representativas del Perú antiguo desde el punto de vista de su expresión artística.

Los elementos de las culturas Cupisnique (“Chavín Costeño”), Salinar, Vicús y Virú se fundieron para formar la gran cultura Moche en sus primeras epocas. Luego de este largo proceso, apareció como una síntesis regional autónoma, con mayores aportes tecnológicos e ideológicos que cualquier otra cultura norcosteña y andina.

La Cultura Mochica tuvo su hábitat en el valle homónimo, desarrollándose entre los territorios de valle de Nepeña al Sur y de Piura al Norte. Ocuparon los valles de la Leche, Lambayeque, Jequetepeque, Chicama, Moche, Virú, Chao, Santa y Nepeña.

Históricamente fue conocida como Protochimú o Chimú Temprano, pero recibió el nombre de Moche tras los descubrimientos en el valle de Moche. También se la denomina Mochica en razón del nombre de la lengua, el muchik, que hablaban sus pobladores.




El más conocido legado cultural de los Mochica es su cerámica, generalmente depositada como preciosa ofrenda para los muertos. Hombres, divinidades, animales, plantas y complejas escenas fueron representadas por sus artistas bajo la forma de imágenes escultóricas o vasijas decoradas a pincel.

En términos generales ésta es bícroma (rojo sobre crema). Estos colores poseen una amplia gama de tonalidades, existiendo una tendencia a ser más oscuras al final del desarrollo Moche.

Los ceramios o “huacos” Moches (vasijas cerradas, de cuerpo globular o escultórico, base plana y con un gollete tubular en forma de asa estribo), han sido uno de los elemento primordiales para conocer no solo el espíritu de esta cultura preincaica, sino la sociedad, el entorno natural en el que se desarrollaron y las diferentes etapas de su evolución cultural.

Las técnicas de manufactura que mayormente conocieron fueron el moldeado y el estampado. Por el gran dominio de la cerámica escultórica y pictográfica se le ha denominado, y con mucha justicia, el Período de los Maestros Artesanos. Dada la calidad estética y temática de su innumerable producción se ha convertido en el mejor espejo de su vida cotidiana y espiritual.

Elaboraban su cerámica individualmente, pero también llegaron a emplear moldes hechos de cerámica para proveerse de una producción masiva de recipientes especialmente de los que acompañaban a los difuntos ilustres en calidad de ofrendas. La gran mayoría de los ceramios tuvieron uso ritual funerario, sin embargo, la vajilla para uso diario, utensilios domésticos y vasijas para agua fueron funcionales, sencillos y escasamente decorados.




La cerámica moche, además de ser un brillante ejercicio escultótico, sirvió de base a una pintura muy especializada la pictográfica, era ejecutada con pinceles de pelos de animales y humanos, plumas de aves y puntas de carrisillos. Los diseños o dibujos se hacían mediantes colores planos, los personajes llenos de contraste se plasmaban de perfil, con algunos espacios rellenados de color rojo indio y complementado con líneas muy finas y elegantes.

Los motivos pintados en el entorno de los cuerpos globulares de los ceramios incluyen temáticas variadas de su mundo ecológico, de sus actividades básicas de caza, pesca, recolección, tecnologías, batallas, danzas, sexualidad y un complejo mundo de representaciones ritualísticas: ceremonias de sacrificios humanos, transformaciones míticas: antrozoomórficas, antro-ictiológicas, antro-ornitomórficas; complementado con una serie de elementos tipo geométricos, como signos escalonados, grecas, cruces, círculos, orlas, volutas, etc.

Uno de los temas fueron las divinidades de la cultura Moche. Y es que, los ceramistas moches cuidaron mucho la representación de cada una de las divinidades. Casi siempre se trata de mitos o representaciones de la de la vida ultraterrenal. Son decoraciones planas, sin perspectiva, casi siempre de perfil, excepto en algún caso en que rostro y torso están de frente.




Los Mochica plasmaron el entorno de su mundo cultural y religioso en su expresiva cerámica perfeccionando una actividad artística que constituye el mejor documento y testimonio de su cultura: hombres, divinidades, animales, plantas y complejas escenas fueron representadas. Los Mochica desarrollaron en su cerámica dos grandes vertientes: pintura y escultura. Junto a la famosa plástica Mochica, que asombra por la expresividad de sus "retratos" de arcilla, se encuentran también las representaciones pictóricas plasmadas sobre la superficie globular de los ceramios. Mediante trazos perfilaron figuras y complejas escenas donde los seres representados derrochan vida y movimiento. Así, la posición de las extremidades puede indicar quietud, caminata, carrera o baile; inclinar el torso hacia adelante implica velocidad y la posición de la cabeza, reverencia o dignidad. En artísticas discordancias anatómicas, estas figuras combinan partes de frente y de perfil.

En sus esquemáticos dibujos, la perspectiva se establece reduciendo el tamaño de las representaciones distantes. Otras veces, se recurre a separar paneles horizontales que indican diversos planos. El tamaño y proporción de los actores señala su rango e importancia en la escena: los señores eran siempre representados más grandes que los hombres comunes.

Los estudios recientes dejan en claro que el arte Mochica no captó todos los aspectos de la vida cotidiana y que graficó únicamente imágenes y escenas significativas referidas a eventos, temas ceremoniales constantes y probablemente mitos y relatos que reflejan su concepción del mundo. Una selección representativa nos aproxima a este fascinante mundo de imágenes gráficas.


Mitología Mochica

Para los mochica, amantes de la vida, la muerte no constituía el final. Los hombres seguían viviendo en otra esfera del mundo con sus mismas obligaciones o privilegios, razón que llevó a sepultarlos con provisiones y bienes. Los entierros reflejaban así la función y lugar de cada hombre dentro de su sociedad. 

Poco nos queda de los mitos en los que basaran su religión los miembros de la cultura mochica o Moche, que se desarrolló en la zona norteña de la costa del Perú mucho antes que el Imperio inca.

Pero sí quedan aún en pie sus monumentales pirámides de adobe de Vicus, aunque el tiempo ha ido erosionando implacablemente su endeble estructura, tanto como ha ido haciendo que se perdiera su riqueza colectiva y su legado cultural.

Se trató de un pueblo costero que, como sucesor de muchas y muy diversas culturas, fue agrupando los diversos retazos mitológicos, hasta formarse un grupo de divinidades heterogéneas y crear un conjunto panteístico peculiar al cuidado de la clase sacerdotal teniendo al jaguar a la cabeza de las diversas divinidades locales, casi todas totémicas, como el demonio-cangrejo, o el demonio-serpiente, sus animales locales, presididos por el martín pescador y las curiosas cerámicas sexuales en las que se supone que se quiere dar una lección de moral, uniendo la figura del placer a la de la muerte.

Sus dos grandes templos, las Huacas del Sol y de la Luna, son obras de grandes dimensiones.

Los mochicas llamaban Aia Paec a la divinidad y Alaec pong a la piedra o figura que la representaba.

Otras divinidades eran Si (la luna), Ni (el mar), Fur (Iguana, dios de la muerte). Los del valle de Chicama le rendían culto a su dios Chicamac.

A pesar de que Aia paec era la deidad principal, el culto a Si era el más extendido dada la relación de la luna con el mar y las mareas (puesto que los mochicas eran esencialmente pescadores). Consideraban a la luna más poderosa que el sol. Durante los eclipses lunares creían que la luna era atacada y había grandes llantos, cuando pasaban hacían una fiesta celebrando el triunfo de la diosa. Ofrecían muchos sacrificios a la luna, hasta sus propios hijos.

Los habitantes de la zona de Pacasmayo (Pacatnamun)rendían especial culto al mar y le ofrecían maíz y almagre.

La práctica de la magia estaba muy difundida. Los brujos hacían sacrificios en un cerro sagrado del valle de Talambo llamado Coalechec.

La Huaca del Sol, con cinco grandes terrazas, la mayor de ochenta metros de longitud, sobre unas bases de 228 de largo por 136 de ancho y la plataforma de 18 metros de altura, está coronada por una pirámide de 23 metros de altura, que tiene una base cuadrangular de 103 metros de lado. 

La Huaca de la Luna tiene una base de 87 metros por cada lado y una altura de 21, y en su plataforma superior se levantaban una serie de salas decoradas con figuras humanas. 

Las dos huacas están construidas de adobes, sobre una llanura arcillosa, calculándose que sólo para la construcción de la Huaca del Sol se emplearon ciento treinta millones de piezas, siendo, pues, las dos huacas mayores como montañas hechas por el hombre para la gloria de sus divinidades y para acercarse más aún a los secretos del firmamento.


The Moche civilization (alternatively, the Mochica culture, Early Chimu, Pre-Chimu, Proto-Chimu, etc.) flourished in northern Peru with its capitalHuacas del Sol y de la Luna near actual Trujillo city from about 100 AD to 800 AD, during the Regional Development Epoch. While this issue is the subject of some debate, many scholars contend that the Moche were not politically organized as a monolithic empire or state. Rather, they were likely a group of autonomous polities that shared a common elite culture, as seen in the rich iconography and monumental architecture that survive today. They are particularly noted for their elaborately painted ceramics, gold work, monumental constructions (huacas) and irrigation systems. Moche history may be broadly divided into three periods – the emergence of the Moche culture in Early Moche (AD 100–300), its expansion and florescence during Middle Moche (AD 300–600), and the urban nucleation and subsequent collapse in Late Moche (AD 500–750). Moche society was agriculturally based, with a significant level of investment in the construction of a network of irrigation canals for the diversion of river water to supply their crops. Their culture was sophisticated; and their artifacts express their lives, with detailed scenes of hunting, fishing, fighting, sacrifice, sexual encounters and elaborate ceremonies.

The Moche cultural sphere is centered around several valleys on the north coast of Peru in regions La Libertad, Lambayeque, Jequetepeque, Chicama, Moche, Virú, Chao, Santa, and Nepena. The Huaca del Sol, a pyramidal adobe structure on the Rio Moche, had been the largest pre-Columbian structure in Peru. However, it was partly destroyed when Spanish Conquistadores mined its graves for gold. Fortunately the nearby Huaca de la Luna has remained largely intact; it contains many colorful murals with complex iconography. It has been under archeological excavation since the early 1990s. Other major Moche sites include Sipan, Pampa Grande, Loma Negra, Dos Cabezas, Pacatnamu, San Jose de Moro, the El Brujo complex, Mocollope, Cerro Mayal, Galindo, Huanchaco, and Panamarca.



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16 abril 2012

Rainbows of Hawai'i - Emily & Faith Hubley (1995)


Arcoíris de Hawai
Sin Diálogos / No Dilogue

Cortometraje basado en diferentes historias de la mitología hawaiana, en combinación con el estilo artístico de etnias oceánicas del Pacífico Sur. Todas estas historias cortas tienen algo en común: la noción de que los niños son sagrados.


"[Las] animaciones [de Faith Hubley] han recibido amplia aclamación por su visión humanista. Cosmologías indígenas y el arte, las preocupaciones de las mujeres, los niños y el medio ambiente, influenciando como artista y comunicadora. Ella creó obras junto con su esposo, el animador John Hubley, hasta su muerte, y con la asistencia de sus hijos, Emily Hubley animador y cantante Georgina Hubley. The Hubleys ganó tres Oscars como corto de animación. Durante veinticinco años enseñó a jóvenes artistas y cineastas en la Universidad de Yale en el Departamento de Arte. En 2000, un año antes de su muerte, fue galardonada con el Golden Gate Persistence of Vision Awards at the San Francisco International Film Festival."



"Hawaiian mythology and South Pacific art combine to reinforce that all children are sacred."



Faith Hubley (16 September 1924 - 7 December 2001) was an animator, known for her experimental work both in collaboration with her husband John Hubley, and on her own following her husband's death.

(...)
Born as Faith Chestman to Sally and Irving Chestman, Hubley grew up on the west side of Manhattan in the 1920s and 1930s. She spoke little about her childhood, except that her behavior became somewhat of a burden to her parents. She left home at age 15 to work in the theater and adopted the name Faith Elliott. Aged 18, she moved to Hollywood, starting as a messenger at Columbia Pictures. She subsequently worked as a sound-effects and music editor, and then script clerk for Republic Pictures. She later worked as a script supervisor (12 Angry Men) and editor (Go, Man, Go; with the Harlem Globetrotters).

Faith and John Hubley were married in 1955. They founded Storyboard Studios as an independent animation studio, vowing to make one independent film a year. They collaborated on 21 short films, up until John Hubley's death during open-heart surgery in 1977.

At that time they were working on the Doonesbury television cartoon, A Doonesbury Special. Faith Hubley, with Garry Trudeau and Bill Littlejohn, completed the special despite the doubts of NBC executives. The Hubleys won Oscars for their shorts: Moonbird (1959), The Hole (1962) and A Herb Alpert and the Tijuana Brass Double Feature (1966); they also received Oscar nominations for Windy Day, Of Men and Demons, Voyage to Next and A Doonesbury Special.

Hubley was often regarded as simply an assistant to John, who was always credited as director on their films. However her many solo projects established her as a significant film creator in her own right. She began her first solo project, W.O.W. (Women of the World), after being diagnosed with cancer in 1975.

Between 1976 and 2001, she completed 24 further solo animated films. Her films often feature abstract imagery and non-linear stories; many draw on themes of mythology and indigenous art. She was also a painter, with her works being exhibited in galleries in Europe and the United States.


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12 abril 2012

Sisyphus - Marcell Jankovics (1974)


Sísifo
Sin diálogos/No dialogue

Corto en el que se narra el mito griego de Sísifo. En el infierno, Sísifo fue obligado a empujar una piedra enorme cuesta arriba por una ladera empinada, pero antes de que alcanzase la cima de la colina la piedra siempre rodaba hacia abajo, y Sísifo tenía que empezar de nuevo desde el principio.
(FA)


En la mitología griega, Sísifo fue fundador y rey de Éfira (nombre antiguo de Corinto). Era hijo de Eolo y Enarete y marido de Mérope. De acuerdo con algunas fuentes (posteriores), fue el padre de Odiseo con Anticlea, antes de que ésta se casase con su último marido, Laertes.
Fue el padre, con Mérope, del dios marino Glauco. Se decía que había fundado los Juegos Ístmicos en honor a Melicertes, cuyo cuerpo había encontrado tendido en la playa del istmo de Corinto.
Fue promotor de la navegación y el comercio, pero también avaro y mentiroso. Recurrió a medios ilícitos, entre los que se contaba el asesinato de viajeros y caminantes, para incrementar su riqueza. Desde los tiempos de Homero, Sísifo tuvo fama de ser el más astuto de los hombres. Cuando Tánatos fue a buscarle, Sísifo le puso grilletes, por lo que nadie murió hasta que Ares vino, liberó a Tánatos, y puso a Sísifo bajo su custodia.
Jancovics, con líneas sencillas, anima esta historia mitológica.
Germán (24fps)


Como todos los domingos, al menos los que me dejan, le ha llegado el turno a un corto de los recopilados por el festival de Annecy en su lista de mejores cortos animados. En esta ocasión, como en otras anteriores, me voy a apartar de la lista oficial y voy a comentar un corto de lo que llamo la lista B, es decir esa recopilación que corre por esas internets de Dios y en la que los cortos imposibles de encontrar han sido substituidos por otras producciones animadas. El agraciado ha sido Sisyphus realizado en 1972 por Marcell Jankovics.

Pero antes de comenzar el comentario, una reflexión. Los que sigan este blog sabrán ya de la importancia de la animación de los países del este, representada en diferentes escuelas nacionales, la Yugoeslava (o habría que decir croata), la polaca, la checa y la de la propia URSS. La cenicienta en este asunto es la hungara, reprsentada por Pannonia Films y casi completamente desconocida por el aficionado, a pesar de haber animado una de las películas de René Laloux, Le maîtres du temps... y haber sido uno de los chivos expiatorios elegidos para explicar que éste sea la peor película del francés.

Entre las personalidades de Pannonia Films, destaca Marcel Jankovics, director de una de las obras maestras desconocidas de la animación, Fehérlofia (1981), un auténtico prodigio en el que se utiliza al máximo las posiblidades de la animación tradicional, es decir la libertad en la línea, en el color y la forma, que permite las transformaciones más inesperadas e imposibles. En este sentido, el corto Sisyphus es un perfecto ejemplo de esas posibilidades de la animación tradicional y del talento de este director.

Como puede observarse en las capturas, el corto se caracteriza por una economía de medios extrema, restringiéndose a unos cuantos trazos negros sobre fondo blanco. No obstante, con ese mínimo de trazos, siempre en movimiento y transformación, el corto consigue transmitirnos el esfuerzo y la dificultad, el cansancio y el sufrimiento que para Sísifo supone acarrear la piedra que constituye su castigo eterno hasta lo alto de la colina de la que volverá a rodar abajo instantáneamente.

No obstante, más allá de esta plasmación del mito y del giro final que nos revelará una nueva vertiente, lo que hace a este corto notable no es ese "chiste" por así decirlo que le sirve como su excusa. Como tantas veces en la animación, el tema es prescindible y lo que importa es la forma, que en este caso se utiliza en reflejar una de las constantes de la animación desde sus origines y que para muchos, al menos hasta esta última generación, ha constituido su principal atractivo.

Se trata simplemente de esa capacidad de la forma para reflejar el movimiento, para hacerlo visible y creíble, utilizando formas abstractas, inanimadas. En sí el corto, no es más que una sucesión de bocetos, pero como en los dibujos salidos de la mano de un maestro de la pintura, esa simplicidad y esa ausencia de acabado sirven precisamente para realzar y subrayar lo que se pretende expresar, logrando que seamos nosotros quienes lo completemos en nuestra mente en toda su plenitud.

Y como siempre, les dejo con el corto. Es extremadamente breve, apenas dos minutos, pero pocas veces habrán visto mejor utilizado el tiempo.
David Flórez (Caminando en círculos)


Political Repression Made Into Poetry 

Marcel Janovics' "Sisyphus"(1974) is a brilliant film. This film is in black and white. literally. There are no grays, no shadings. Just bold black lines and empty white space. However, Janovics is still able to make us aware of the incredible strength of Sisyphus, and the tremendous weight of the rock. As the rock grows in size, and Sisyphus, despite his ample musculature, shrinks, we truly feel the frustration and pain of the title character. This pain is reflected in two ways. The first way is in the artwork. I already mentioned the bold lines, but it is the way in which they are used that is remarkable. Towards end of the film, Sisyphus, now almost a stick figure, gears up to take a final push at the rock. He pulls back, and for a split second, becomes nothing more than a squiggle of lines. It is as this squiggle that he finds his last ounce of strength. He comes rocketing back, once again his old muscular self for just a brief moment, and shoves the rock on to its final resting-place on the top of the mountain. Then as the mountain is revealed to be a pile of all the rocks Sisyphus has ever pushed to the top, we see him collapse, sinking into the side of the mountain, becoming a part of it. Then he picks himself up and slinks back down to the bottom. By having Sisyphus melt into the mountain, Janovics is able to show us the exhaustion and frustration of the title character.

The pain is also reflected in the stunning sound track. I know this has nothing to do with the animation, but the use of sound is so powerful that I felt it had to at least be mentioned. Gasps and grunts. Not much at first, but as the boulder gets bigger, the gasps turn into screams. It's not just physical pain being reflected in the screams. There is an emotional pain as well. So what does this film mean? As with most Eastern European films at the time, it is obviously about political oppression. The futile efforts of trying to create personal works of art are reflected in Sisyphus's unending struggle, with a cold, oppressive force trying to prevent the hero from doing what he has to do.
Daniel Yates (IMDB)


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http://www.mediafire.com/?bzi752u0n1s7onn