La Muñeca de Maíz - Marisol Barragán Bildt (1989)

The Corn Doll

Castellano / Spanish | No Subs.

Cortometraje basado en un cuento popular guaraní (grupo étnico indoamericano que abaraca teritorios paraguayos, argentinos, brasileños y bolivianos).

“La Muñeca de Maíz” narra la historia de Arazá, una niña que juega con su muñeca Isirí, hecha de una masorca de maíz. En un momento de esos, la madre llama a la niña, pero Arazá absorta en el juego no escucha. La madre disgustada amenaza con esconder a Isirí, amenaza que Arazá toma muy seriamente, por lo que pedirá apresurada el consejo de la tortuga para esconder su muñeca. Arazá logrará esconder a Isirí, pero ella no sabe que se avecinan las grandes lluvias.

Film dirigido al público infantil, pero por demás recomendable para todas las edades. Producido en Bolivia en co-producción uruguaya y sueca, este cortometraje fue elaborado con la técnica del Cut-out o animación con recortes de papel.

Tanto Marisol Barragán cómo Jesús Pérez son pilares fundamenteales en la historia de la animación boliviana. Ambos consagraron gran parte de su obra a narrar historias dedicadas principalmente a los niños.

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La Ollera - Juan Manuel Costa (2009)

The Potter

Sin Diálogos / No Dialogue

En un mercado popular, una alfarera vende sin mucha suerte sus ollas de barro cocido, al contrario de la vendedora del frente, quien vende sus ollas como pan caliente. Atraída por la curiosidad la joven alfarera decide investigar cuál es ese secreto que hace que las ollas de esta misteriosa mujer sean tan apreciadas por todo el pueblo, cuál es esa magia que infunde tal espíritu a estas pequeñas ollas.

Un lindo cortometraje, elaborado en claymotion, que fusiona rasgos culturales amazónicos y andinos, dotado de un profundo sentido ritual; una linda metáfora del sentido mágico del creador en relación a su creación, vista desde la perspectiva de estos pueblos.

"Juan Manuel Costa nació en la ciudad de Salta. Desde hace mas de 6 años se dedica a la investigación y experimentación en la animación stopmotion.

Ha dirigido dos cortometrajes animados: “El Birque (génesis)” y “Elvira” con los que ha obtenido mas de una veintena de premios tanto nacionales como internacionales.
Actualmente acaba de finalizar de su último cortometraje titulado “La Ollera”. Recientemente ha conformado "El Birque Animaciones", un estudio de animación tradicional en donde realiza trabajos para terceros."

(Linkedin)

"The secret to end all secrets? There ain’t no such thing as a secret! Unfortunately, that’s a secret. (Don’t try to make any sense of this. It was supposed to be paradoxical, but I just failed at that…)
La Ollera is a magically wonderful stop animated short film written and directed by Juan Manuel Costa and produced at El birque."

(No Fat Clips!!!)

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Hisab - Ezra Wube (2011)

Amhárico/Amharic | Subs: Castellano (propios), English

Una cabra, un perro y un burro se embarcan en una aventura en taxi en este maravilloso corto de animación stop-action pintado sobre una sola superficie; que explora la cultura y el folklore de Etiopía, país natal del artista.

Qrosawa

Ezra Wube nació y creció en Addis Abeba, Etiopía. Ezra se mudó a los Estados Unidos a la edad de 18 años. Ezra recibió el Premio Anual Black Achievement de Massachusetts y tuvo su propio show unipersonal en el Museo Dreams of Freedom en Boston, MA. En 2004, se recibió de Bachiller en Bellas Artes en el College of Art de Massachusetts. Luego de graduarse, Ezra recibió una financiación Dondis and Godine Travel Fellowship para realizar investigaciones sobre el folklore y las tradiciones de Etiopía. En 2006, tuvo su segundo show unipersonal "Story Telling" en el Naciones Unidas de New York. Al año siguiente, Ezra fue parte del show artístico "Ethiopian Millenium" en la Galería Blackburn de la Universidad de Howard en Washington DC. En 2008, Ezra participó en "Reflexiones desde el exilio: Cinco Artistas Africanos Contemporáneos Responden a la Injusticia Social" en el South Shore Art Center en Cohasett, "Here to There" en el South Seattle Community College en Washington y "Abyssinia to Harlem and Black" en la Galería Canvas Paper and Stone en New York. En 2009, Ezra recibió el Pamela Joseph Art Scholarship mientras trabajaba en su tesis doctoral en Bellas Artes en el Hunter College de New York. También participó en "The Happening: Kinetics as Art Object" en la Galería Rush Arts en New York, "MA selects MFA" en el Hunter College de New York, "Freeze Frame" a través de Miami, Florida y el Bina Film Festival en New York. En 2010, participó en un show de arte grupal en BAM en Brooklyn, NY.

En 2011, Ezra participó en “Art & the City”, CologneOFF 2011 Marruecos, “Swedenborg Short Film Festival”, UK, “Videoart from Africa”, CologneOFF 2011 Mexico City, “Art & the City: Mirrors”, CologneOFF 2011 Roma “Istanbul Animation Festival”, Istanbul, Turkía, “One Minute Africa”, nominated “Where History Begins”, Cairo, Egipto “International Black Film Festival”, Nashville, USA, “Afrika in Motion Film Festival”, UK, “Silicon Valley African Film Festival”, Mountain View, CA, “Art & The City: Mirror1”, CologneOFF 2011 Beirut “Ottawa Animation Festiva”, Ottawa, Canada, “Under African Skies”, Tria Gallery, NY, NY, “Paradoxes in Video”, San Diego, CA, “Art & the City: A Gesture of Generosity“, CologeOFF 2011 Madrid, España, “Stuttgart animation festival”, Stuttgart, Alemania, “DIGit 2011”, Delaware Valley Arts Alliance, Narrowsburg, NY. “Media Wall”, Oakland International Airport, Oakland, CA, “Frame of Mind”, Denver Colorado, “Art & the City“, TimiShort - Film Festival Timisoara, Rumania, “Exhibition LÚMEN_EX 2011”, The Museum of Extremadura and Ibero American Contemporary Art (MEIAC) of Badajoz, España, “Memory and Process”, Addis Atlier, Addis Abeba, Etiopia, “PVE: Performance Video Event”, University of the Street, NY, NY, “The Video Show”, Raritan Valley Community College, NJ. Ezra was an artist in resident at Château de la Napoule, France, CAC, Contemporary Artists Center, Woodside, Troy NY, and “The Substation”, Johannesburg, Sudáfrica.

(Traducción por Qrosawa de Casoria Contemporary Museum)

Ezra Wube was born and raised in Addis Abeba, Ethiopia. Ezra moved to the United States at the age of 18. In 2003, Ezra was awarded the Massachusetts Annual Black Achievement Award and held his first one-person show at the Dreams of Freedom Museum in Boston, MA. In 2004 he received his Bachelor’s of Fine Arts from Massachusetts College of Art. Upon graduation, Ezra received a Dondis and Godine Travel Fellowship to conduct research in Ethiopia on folktales and traditional lore. In 2006, he held his second solo show “Story Telling”, at the United Nations in NY, NY. The following year, Ezra was part of the “Ethiopian Millennium” art show at the Blackburn Gallery of Howard University in Washington, DC. In 2008, Ezra participated in “Reflections in Exile: Five Contemporary African Artists Respond to Social Injustice” at the South Shore Art Center in Cohasett, MA, “Here to There” at the South Seattle Community

College in WA, Washington, and “Abyssinia to Harlem and Back” at the Canvas Paper and Stone Gallery in Ny, NY.In 2009, Ezra received the Pamela Joseph Art Scholarship while working on his Master’s of Fine Arts thesis at Hunter College in New York. He also participated in “The Happening: Kinetics as Art Object” at the Rush Arts Gallery in NY, NY, “MA selects MFA” at Hunter College NY NY, “Freeze Frame” throughout Miami, Fl, and the Bina Film Festival in Ny, NY.In 2010, Ezra participated in a group art show at BAM in Brooklyn, NY.

“Hisab” is an animated film based on Ethiopian urban folk story. The story follows three animals common to Ethiopian cities (a goat, a donkey, and a dog) on a taxi ride. Through their interactions the story reveals each animals nature.

(Casoria Contemporary Museum)

Why do goats run from cars? Why do dogs chase cars? Why do donkeys block the roads? Hisab is the first animation I have featured here that is made in Ethopia.Ezra Wube's seven minute film answers all three questions and does so in a manner that is fiercely African in style and absolutely gorgeous to view and listen to. But first some idea of the narrative. Ezra recounts a folk tale to explain the three phenomena above. So the dog, donkey and goat take a cab journey in a minibus that is already full of men. They travel through the cities and countryside and for each animal there is a story to tell, an encounter to experience, the conclusion of which explains the beast's subsequent behaviour. Being painted on glass allows fluidity and spontaneity. It underscores the lavish colour painted in bold strokes, the tactile texture leaping off the screen. And the colours are the colours of the African continent possessing as appropriate both backlit vibrancy and deep shadow. Then there is an astonishing soundtrack. The constant voices, the din of traffic and discourse. Each of the animals triggers another drama. Ashebir Kastro, Maaza Haile,Hzkias Kasa and Getachew Tadese provided the voices. Those donkeys block the road all right. Huge queues. Huge brouhaha. But we know why thanks to a remarkable animator with a piece of work that resonates with the warmth of a continent.

(Animation Blog)

Subtítulos y Traducción al Castellano por Qrosawa 

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Rainbows of Hawai'i - Emily & Faith Hubley (1995)

Arcoíris de Hawai

Sin Diálogos / No Dilogue

Cortometraje basado en diferentes historias de la mitología hawaiana, en combinación con el estilo artístico de etnias oceánicas del Pacífico Sur. Todas estas historias cortas tienen algo en común: la noción de que los niños son sagrados.

"[Las] animaciones [de Faith Hubley] han recibido amplia aclamación por su visión humanista. Cosmologías indígenas y el arte, las preocupaciones de las mujeres, los niños y el medio ambiente, influenciando como artista y comunicadora. Ella creó obras junto con su esposo, el animador John Hubley, hasta su muerte, y con la asistencia de sus hijos, Emily Hubley animador y cantante Georgina Hubley. The Hubleys ganó tres Oscars como corto de animación. Durante veinticinco años enseñó a jóvenes artistas y cineastas en la Universidad de Yale en el Departamento de Arte. En 2000, un año antes de su muerte, fue galardonada con el Golden Gate Persistence of Vision Awards at the San Francisco International Film Festival."

(cinelatinoamericano.org)

"Hawaiian mythology and South Pacific art combine to reinforce that all children are sacred."

(Redes Indígenas)

Faith Hubley (16 September 1924 - 7 December 2001) was an animator, known for her experimental work both in collaboration with her husband John Hubley, and on her own following her husband's death.

(...)
Born as Faith Chestman to Sally and Irving Chestman, Hubley grew up on the west side of Manhattan in the 1920s and 1930s. She spoke little about her childhood, except that her behavior became somewhat of a burden to her parents. She left home at age 15 to work in the theater and adopted the name Faith Elliott. Aged 18, she moved to Hollywood, starting as a messenger at Columbia Pictures. She subsequently worked as a sound-effects and music editor, and then script clerk for Republic Pictures. She later worked as a script supervisor (12 Angry Men) and editor (Go, Man, Go; with the Harlem Globetrotters).

Faith and John Hubley were married in 1955. They founded Storyboard Studios as an independent animation studio, vowing to make one independent film a year. They collaborated on 21 short films, up until John Hubley's death during open-heart surgery in 1977.

At that time they were working on the Doonesbury television cartoon, A Doonesbury Special. Faith Hubley, with Garry Trudeau and Bill Littlejohn, completed the special despite the doubts of NBC executives. The Hubleys won Oscars for their shorts: Moonbird (1959), The Hole (1962) and A Herb Alpert and the Tijuana Brass Double Feature (1966); they also received Oscar nominations for Windy Day, Of Men and Demons, Voyage to Next and A Doonesbury Special.

Hubley was often regarded as simply an assistant to John, who was always credited as director on their films. However her many solo projects established her as a significant film creator in her own right. She began her first solo project, W.O.W. (Women of the World), after being diagnosed with cancer in 1975.

Between 1976 and 2001, she completed 24 further solo animated films. Her films often feature abstract imagery and non-linear stories; many draw on themes of mythology and indigenous art. She was also a painter, with her works being exhibited in galleries in Europe and the United States.

(Wikipedia)

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Hasta los huesos - René Castillo (2001)

Down to the bone

No Dialogue / Sin Diálogos

Un hombre enterrado en el cementerio comienza su descenso al mundo de los muertos, donde se celebra una gran fiesta y donde es recibido por la sensual canción de la mismísima Catrina; sin embargo, a este hombre le cuesta creer que está realmente muerto.

"Su producción duró más de 3 años, y su sola filmación fue de año y medio; se necesitaron alrededor de 15 mil movimientos de los más de 70 personajes que componen este cortometraje de once minutos;en la música destaca la participación de Café Tacuba y la interpretación de Eugenia León."

(Wikipedia)

"Una vez visto el cortometraje “Hasta los Huesos” del mexicano René Castillo, es fácil que venga a la cabeza “La Novia Cadáver” de Tim Burton. Y sabiendo que el corto se rodó 4 años antes, es aún más sencillo reclamar responsabilidades al de California por sus innegables similitudes.

Pero en este caso (las influencias de Edward Gorey y del propio segundón Henry Selick son demasiado obvias para negarlas), presumo que el hecho de que temáticamente ambas películas sean tan similares, ha sido más por una influencia externa que por inspiración directa. Con esto quiero decir que de donde beben las dos obras sin contemplaciones es del folclore tradicional mexicano. Y es en este punto donde la obra corta vence sin contemplaciones.

Porque “Hasta los Huesos” es un corto definitivamente mexicano. Y no sólo estéticamente, con esos mariachis y esas balaseras, sinó en un sentido más profundo de veneración por la cultura de ese país y su significado. Porque entre la ingeniosa excusa de ese gusano que acaba nadando en tequila, y esa serpiente emplumada que cataliza el final feliz, se entremezcla una historia de amor autóctona de amor y muerte.

El protagonista, ya fallecido pero en un estadio intermedio antes de la muerte definitiva, se aferra a la vida resistiéndose a ese voraz gusano y evitando perder una flor, que es lo único que le queda del mundo de los vivos (y de la relación opresiva con su madre). Pero La Muerte no sólo es un atractivo local de fiestas donde el protagonista suda y no encaja (la vida le sobra), sino que además es inexorable. Y llega de la mano de una mujer, y como no, del tequila, elementos ambos indispensables en la tradición de ese país orgulloso, pero vapuleado por mayores naciones; machista (no es con la mujer sexual con la que debe quedarse el hombre, sinó con la dulce sumisa que se aprovecha de sus bondades para “coleccionar flores”), pero a la vez adorador de la figura femenina.

Es la definición perfecta de lo que es un hombre enamorado hasta los huesos, capaz de perder todo lo poco que tiene, y morir por amor.

Aparte de la interesantísima aportación folclórica a la clásica relación eros-thanatos, he de reconocer que he elegido este corto, y cabe destacarlo, por el muy correcto apartado técnico de esos escasos 10 minutos. No creo que haya que hablar de la dificultad de la animación stop-motion con plastilina, pero sí que quiero remarcar esa canción que canta Eugenia León en la que los labios están sincronizados con la voz. Una auténtico esfuerzo, y una demostración innegable de que se quieren hacer las cosas bien, sí señor.

Por cierto, la interpretación de la historia del niño del triciclo y su mascota gusano, se la dejo a aquél de ustedes que se atreva a indagar en el psicoanálisis..."

Ilusiones Cortas II: Hasta los Huesos (René Catillo, 2001) (yumekuroi.blogspot.com)

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