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28 mayo 2012

La Muñeca de Maíz - Marisol Barragán Bildt (1989)


The Corn Doll
Castellano / Spanish | No Subs.

Cortometraje basado en un cuento popular guaraní (grupo étnico indoamericano que abaraca teritorios paraguayos, argentinos, brasileños y bolivianos).


“La Muñeca de Maíz” narra la historia de Arazá, una niña que juega con su muñeca Isirí, hecha de una masorca de maíz. En un momento de esos, la madre llama a la niña, pero Arazá absorta en el juego no escucha. La madre disgustada amenaza con esconder a Isirí, amenaza que Arazá toma muy seriamente, por lo que pedirá apresurada el consejo de la tortuga para esconder su muñeca. Arazá logrará esconder a Isirí, pero ella no sabe que se avecinan las grandes lluvias.


Film dirigido al público infantil, pero por demás recomendable para todas las edades. Producido en Bolivia en co-producción uruguaya y sueca, este cortometraje fue elaborado con la técnica del Cut-out o animación con recortes de papel.


Tanto Marisol Barragán cómo Jesús Pérez son pilares fundamenteales en la historia de la animación boliviana. Ambos consagraron gran parte de su obra a narrar historias dedicadas principalmente a los niños.



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26 mayo 2012

Lisa i zayats - Yuriy Norshteyn (1973)


Лиса и заяц / La Liebre y la Zorra / The Fox and the Hare
Ruso / Russian | Subs: Castellano (gracias a Yefren)

Es invierno y tanto la liebre como la zorra viven apacibles en sus hogares; la casa de la liebre es una modesta cabaña hecha de madera y la de la zorra es un hermoso palacio de hielo.
Una vez pasado el invierno y llegada la primavera, aquél hermoso palacio en que vivía la zorra se convierte en una simple charca, quedando así la zorra sin hogar. Entonces, para remediar este hecho la zorra decedirá apoderarse del hogar de la indefensa liebre, dejando así a la pobre desconsolada y sin hogar.
Algunos de los animales más fuertes, al ver la tristeza de la amigable liebre, decidirán ayudar, aunque trsitemente sin éxito alguno. ¿Podrá la pequeña liebre recuperar su hogar?
Adaptación al cuento popular ruso escrito por Vladimir Ivanovich Dal.

 
""Había una vez un zorro y una liebre. El zorro tenía una casa de hielo y la liebre una de madera… Y un bosque nevado envuelve a la libre gritando mientras el zorro presume de su palacio de hielo. La mano del artista puede crear caricias de eterna permanencia y Yuriy Borisovich Norshteyn es un maestro en acariciar historias y espectadores por igual, uniéndonos en el terreno de la sugerencia. Sus películas son alma para la experiencia artística.

 
 Nació en 1941 cerca de Moscú en plena evacuación de la ciudad a causa de la guerra. Circunstancias difíciles que sin duda influyeron en su amor por la delicadeza. Estudió en una escuela de arte, trabajó en fábricas, cursó estudios de animación y colaboró en una cincuentena de películas hasta que dirigió su primer trabajo, El día 25, el primer día (1968), compartiendo la dirección con Arkadii Tyurin y sirviéndose de trabajos de artistas soviéticos revolucionarios para así conmemorar la Revolución de Octubre. Siguió en los pasos de la codirección en La batalla de Kerzhents (1971), donde echa mano de frescos medievales para recrear la resistencia ante los tártaros.

Siempre está perfeccionando su técnica de animación basada en el uso de láminas de vidrio con las que crear una atmósfera ensoñadora. Las historias pasan a una dimensión mágica que las convierte en únicas aún siendo de origen tradicional. Un cuento en las manos de Norshteyn se torna vivo y de dimensiones especiales. Sus cielos son parte de su particular manera de crear universos desde lo popular. Quizás es la manifestación más certera de que la ilusión es propia de la infancia pero no exclusiva de ella. Las personas suelen no tener ilusión por la vida al pasar los años pero Norshteyn pinta sus cuentos con fascinación por la existencia. Todo detalle es importante y él no sólo siente ilusión, la crea.
Trabajos como El zorro y la liebre (1973), La garza y la grulla (1974) y Erizo en la niebla (1975), nos muestran toda su sensibilidad siempre bien acompañada por la música de Mikhail Meyerovich y la narración de Viktor Khokhryakov. En todas ellas se ha ganado la admiración del mundo cinematográfico incluso en los tiempos en los que el telón de acero aún no había caído. Sus colores, sus mosaicos, sus paisajes de mundo propio intenso y evocador, nos trasladan a sentimientos donde nuestra imaginación parece poder volar libremente. Todo es posible en Norshteyn, incluso la ternura. Tras ellas, llegó su más conocida obra, El cuento de los cuentos (1979), una maravilla que hace honor a su título.

Tras premios a ambos lados del muro, fue despedido a mediados de los ochenta por trabajar en su nuevo proyecto con excesiva lentitud. Su artesanía no va con los tiempos que corren, pero perdura. Entonces trabajaba en el que es su último proyecto fílmico conocido, El abrigo, para el que no ha conseguido financiación todavía. Ahora se dedica a la divulgación y la enseñanza además de la publicación de libros de ilustraciones exquisitas como su reciente Nieve sobre la hierba (2005), extenso trabajo que espero pueda ser impulso para acabar su proyecto inacabado. Yuriy Norshteyn es el cuento en cuerpo y alma."
Juan Carlos Romero (Nau Nua)


"As my avid readers (assuming they exist) would know, I consider Yuriy Norshteyn to be cinema's foremost animator, creator of some of the most breathtakingly beautiful films I've ever seen. It is an unfortunate consequence that such extraordinary talent comes at a price, and Norshteyn's output has always been painfully restricted, not only due to difficulty in securing finances, but also because of his adamance that every frame be constructed with meticulous care and precision. As I work my way through Norshteyn's all-too-brief filmography, I came across 'The Fox and the Hare (1973),' an uncharacteristically whimsical effort – his other films have always struck me as being comparably sombre – and, stylistically, much similar to the work of Aleksandr Tatarskiy, namely 'The Plasticine Crow (1981).' The film is presented to us almost as a moving picture book, each scene taking place in a specific frame, as though we are periodically turning our attention from one page to the next.
 
 
As often happens, my willingness to watch the film overcame my desire for English subtitles, and so I'll wager that my interpretation of the story differs somewhat from the official plot; however, I think I managed to follow what was happening. As winter gives way to spring in the Russian wilderness, a crafty fox promptly expels a defenceless hare from his warm, comfortable residence, claiming the house for himself and leaving the poor owner to sleep outside under the stars. An assortment of compassionate animals – a wolf, a bear, a bull – take pity on the disheartened hare, and attempt to evict the cunning fox, but to no avail. Along comes a hilariously militant rooster, proud and tenacious, who marches into the hare's house and doesn't give up until the fox has been hounded back into the wilderness. The ending is a suitably upbeat one; the actions of the fox are condemned for their heartless immorality, and the hare, having acquired a good friend through his troubles, is allowed to enjoy the home that he has constructed for himself."
ackstasis (IMDb)
 
 
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Subtítulos (esp.)
 
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25 mayo 2012

The Metamorphosis of Mr. Samsa - Caroline Leaf (1977)


La metamorfosis del Sr. Samsa
Sin Diálogos / No Dialogue

"Cuando, tras unos sueños intranquilos, Gregor Samsa despertó esa mañana, se encontró convertido en un enorme insecto..."
Franz Kafka (La Metamorfosis)


La Metamorfosis del Sr. Samsa es un trabajo interesante y digno de ser visto en la medida en que, adaptar al film las obras de dicho escritor no es una tarea nada simple, en contraste con la simpleza de la técnica empleada por la animadora en su elaboración: modelado de figuras en arena fina sobre una placa de vidrio con un fondo de luz, aportando esta combinación la creación de un ambiente lúgubre y claustrofóbico, que enfatiza en las sombras y elimina prácticamente los detalles, perfecto para una adaptación Kafkiana.


Leaf se desmarca de las tendencias actuales en el cine de animación, en el que la tecnología ha invadido todo y reivindica su labor de artista en manipulación continua con los materiales: "Nunca me ha parecido interesante utilizar ordenadores para desarrollar mi trabajo como animadora. Me gusta meter las manos en los materiales, manipularlos. Ver cómo materiales inertes cobran movimiento y toman cualquier forma que mi mente sea capaz de imaginar".

Esta obra animada ha sido acreditada con varios premios, entre los que destacan la Mención Honorífica (Categoria Arte y Cultura) del International Film and Video Festival, Columbus 1980; Premio Especial del Jurado, International Animation Festival, Ottawa 1978; Premio de la Crítica, International Animated Film Festival, Annecy 1977; entre otros.


"La animadora estadounidense Caroline Leaf necesita muy poco para crear sus historias: un cuarto oscuro, una cámara fija y un cristal para depositar y manipular granos de arena y gotas de pintura. Una técnica artesanal que no comulga con las tendencias actuales del cine de animación digital y que reivindica el contacto directo con los materiales. The Metamorphosis of Mr. Samsa es un buen botón de muestra: una historia oscura, truculenta y personal, basada en el famoso relato de Franz Kafka"


"For the majority of viewers today animation means either Disney, Pixar or Japan. Or something just for children or light entertainment for children and adults or for some weirdos that look for hentai. A few know that Canada has some of the best animators worldwide. Norman McLaren, Frederick Back, Paul Driessen, Ryan Larkin to name a few, that influenced animation and even cinema forever. Caroline Leaf is one of them.

Kafka's works have always been a headache for film directors. How can his work, full of symbolism and nightmarish scenes, Freudian undertones and unique narrative be transferred on film?

Animation could offer an alternative way and this is exactly what Caroline Leaf tries to accomplish here. If you've read the original short novel of Kafka then you'll feel familiar. If not try to read it first since it will help a lot in appreciating the effort of the animator.


My only complaint is that she chose to animate Samsa as an actual cockroach, while in the novel this works rather symbolically. On the other hand the sound department excels and the way Samsa hears and grasps the sound or utters of his family is perfectly transferred from the novel. Despite the somehow blatant depiction of Samsa as a cockroach, the unique animation technique of C. Leaf produces marvels and sometimes it even transcends the book narrative and it offers even an alternative way, only very few could imagine. Samsa's sister looks a lot like Kafka's sister from the photographs.

This short animated film is a must watch for animation fans and for those who read the works of Franz Kafka and other similar authors.

Animation for adults can mean something else besides sex and violence and this is exactly what this film is about."
petronius79 (IMDb)


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18 mayo 2012

Malice in Wonderland - Vince Collins (1982)


Malicia en el País de las Maravillas
Sin Diálogos / No Dialogue

"Malice in Wonderland es un cortometraje independiente estadounidense dirigido por Vince Collins. Está libremente basada en el cuento de Lewis Carroll, Alicia en el país de las maravillas, mostrando imágenes surreales y un agresivo estilo de animación. (...)


Un conejo blanco con propulsión jet entra por la vulva de una mujer hacia una versión del País de las Maravillas donde las personas y los objetos se voltean, cambian de forma y de identidad a toda velocidad. A partir de aquí las escenas aparecen como en la versión de Lewis Carroll. La oruga, la duquesa, el gato de Cheshire, el sombrerero loco, y la reina hacen su aparición, así como Alicia. Las imágenes, los objetos y los símbolos tienen muchas referencias sexuales. Al final, Alicia dice "Oh, qué sueño más extraño tuve"."


"No fue el primero en desconstruir la obra de Lewis Carroll, ni tampoco el que con más fuerza ha logrado que la repulsión adquiriese un extraño magnetismo, pero Vince Collins, animador independiente nortamericano, es probablemente el que más lejos ha llevado el fascinante material original del novelista. O al menos el que en menos tiempo, más ha hecho.

"Malice in Wonderland" es una adaptación libre de "Alicia en el País de las Maravillas", apenas cuatro minutos de surrealismo extremo y animación feista, imperfecta, pero de alguna forma bella. Repugna igual que inquieta y sorprende porque no existe nada así; no se ciñe a ningún estilo, crea uno propio para la ocasión a través de una estructura de matrioskas que nos muestra a la joven Alicia cayendo una y otra vez en "agujeros". La lectura es evidente y su mensaje también, encontrándose toda su chicha en una imaginería tan demente como valiosa, tan arriesgada como al final, suicida. Habrá quien odie "Malice in Wonderland" (de hecho, lo raro será encontrar a quien le guste), pero no puede negársele su autenticidad, la de un ejercicio extremo y anti-comercial que merece la pena, al menos, como curiosidad.

Para disfrutar en sesión continua con el "Alice" de Svankmajer y la "Alicia" de Balagueró (lástima no poder incluir en la lista el desastroso artificio camp "Alice in Acidland")."
Caith_Sith (FilmAffinity)


"A jet-propelled white rabbit flies through the vulva of a supine woman into a wonderland where people and objects turn inside out, changing shapes and identities at warp speed. Events roughly follow Lewis Carroll's "Alice in Wonderland." The caterpillar and the queen make appearances, as does Alice. Images and symbols are often sexual. At the end, Alice asks, "Who has had such a curious dream?""
(IMDb)

"Had Sigmund Freud been around in the late 1960s and been a sugar-cube-eating hippy filmmaker of animated films, he might have made shorts like this Malice in Wonderland, Vince Collins' animated masterpiece and fine example of drugged-out psychedelia sexualis. This tripped out, nightmarish version of Lewis Carroll’s classic tale of Alice's Adventures in Wonderland is not a product of the 1960s, however, but is actually from 1982. It is just one of many short visual overdoses that the filmmaker has made since he began his career as an unknown animated filmmaker, a career – and oeuvre of work – that really deserves far more attention than it gets. Vince Collins is still alive and kicking today in San Francisco. (...)"
(A Wasted Life)



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06 mayo 2012

Strekoza i muravey - Wladyslaw Starewicz (1913)


La Cigarra y la Hormiga / The Dragonfly and the Ant
Silente / Silent

Adaptación de la clásica fabula de Esopo, en la versión rusa de Iván Andréyevich Krylóv, que cuenta la historia de una cigarra que pasó el verano llena de algarabía, música y excesos; entre tanto la hormiga, mientras la cigarra festejaba, trabajaba arduamente. Entonces, cuando llega el invierno la cigarra se ve en serios aprietos por no haber previsto, mientras que la hormiga vive cómodamente gracias al tiempo invertido en el trabajo.


"La cigarra y la hormiga es una de las fábulas atribuidas a Esopo y recreada por Jean de la Fontaine y Félix María Samaniego.

En ella aparece una cigarra que después de pasar el verano cantando, al llegar el invierno se encuentra desprovista de alimento y acude a pedirlo prestado a su vecina la hormiga. La laboriosa hormiga se compadece de la cigarra, y le regala algunos granos de arroz, no sin antes advertirle que debe ser previsora, y que «vale más prevenir que lamentar.»

Sin embargo, cuando Jean de la Fontaine y luego Samaniego recrearon esta fábula, quizá por razones histórico sociales le cambiaron el final, y la que había sido una generosa hormiga pasó a convertirse en un insecto realista, que le niega alimento a la cigarra ya que sabe que su posible generosidad no cambiaría para nada el comportamiento de la cigarra y le obligaría a mantenerla por el resto de su vida.

En el caso de La Fontaine, se trata de una historia didáctica (con moraleja), dado que en este caso el trabajo incesante de la hormiga se ve recompensado con la supervivencia y la despreocupación de la cigarra se paga con la vida."


"Based on the famous fable, this is the story of the improvident grasshopper who fiddles his time away during good times, while the busy ant stores up wood and food for the coming winter. When the snows come and the freezing and starving grasshopper asks the ant for help, he is turned away to perish in the cold."


"The Dragonfly and the Ant is another in a line of animation films by Russian pioneer Wladyslaw Starewicz. Like 'The Cameraman's Revenge' and 'The Insect's Christmas' this is another film that features insects acting out human-like lives. If there is one must-see movie in this group it has to be 'The Cameraman's Revenge', however, all are charming and original bits of work.

In this one a carefree dragonfly acts irresponsibly through the spring and summer. She drinks, sings, plays violin and taunts her neighbour the ant. The ant, by contrast, is an industrious soul and spends the day collecting wood for the winter. Of course, when the cold comes in the dragonfly is ill-prepared and goes begging at the ant's door. The latter sends the dragonfly packing and her demise soon follows.

It's an old fable of course. Like all of Starewicz other animations, it's beautifully done. The mini insect world is great, and there is an impressive amount of characterisation in these little bugs. It's a great little movie and another superb early animation."
Mondo_Giallo (IMDb)


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03 mayo 2012

Aria - Pjotr Sapegin (2001)


Sin Diálogos / No Dialogue

Adaptación basada en la ópera "Madama Butterfly", compuesta por Giacomo Puccini. Aria narra la historia de una joven que cede ante el amor de un marinero que arriba en la bahía donde ella vive. Después de un carnal y apasionado encuentro él debe partir de rumbo abandonando a la joven, quien, acompañada solamente de la criatura que lleva en el vientre y de un viejo gramófono que no deja de reproducir la triste melodía del aria Un bel dí vedremo (Un bello día veremos), no imagina los infortunios que le depara la amarga espera de ese ingrato amor.


"Pjotr Sapegin nació en Moscú, Rusia, en 1955. Sus padres eran pintores, pero corrían malos tiempos para el arte y apenas sobrevivían con su trabajo. Como muchos jóvenes de su época en la Unión Soviética, Pjotr se interesó por el deporte, ejercitándose en las modalidades de esquí de slalom y karate. Sin embargo, con el tiempo estudió pintura y luego asistió a una escuela de teatro. Trabajó 15 años como diseñador de escenarios para varios teatros de Moscú, antes de buscar otro camino y marcharse a vivir a Noruega.

Cuando llegó a Noruega en 1990, Pjotr comienza a trabajar en varias revistas de arte y teatro, cualquier trabajo que permitieran a su familia comer. En esta nueva aventura, Pjotr conoce a varios directores de cine de animación noruegos, y decide aprender las técnicas. Desde entonces no ha parado de trabajar en la animación, abarcando tanto cortometrajes como anuncios publicitarios, logrando reconocimiento a nivel internacional.

Este fantástico cortometraje " Aria ", es una muestra de su talento. Es una adaptación de la ópera Madame Butterfly del compositor italiano Giacomo Puccini ( 1858 - 1924 ). Realizado en 2001 con producción canadiense, se llevó premios al mejor cortometraje en los festivales de Noruega, Leizpig, Montreal y Arhus Film Festival.


Resumidamente, la ópera Madame Butterfly de Puccini, transcurre en Nagasaki, a finales del siglo XIX o principios del XX. Es la historia de una quinceañera japonesa llamada Cio-Cio-San (Señorita Mariposa) y el oficial de la marina estadounidense Pinkerton. La enamorada Butterfly rechaza casarse con Yamadori, un príncipe que la pretende, y se casa con el oficial extranjero, pero para Pinkerton sólo es una aventura fuera de su país. Durante el casamiento la familia de Butterfly la maldice por traicionar las costumbres niponas y reniegan de ella.
Pero pronto él tiene que regresar a su patria, ella le espera durante tres años a pesar de que todo el mundo le dice que no regresará. En ese tiempo ella cría a su hijo, el cual nació después de que el oficial se fuera. Tras tres años, Pinkerton finalmente regresa y con él su nueva y legítima esposa norteamericana Kate. Al enterarse de la existencia del hijo deciden recogerlo para criarlo en los Estados Unidos. La desolada Butterfly se lo entrega no sin antes despedirse, sin amor y sin hija se retira a sus habitaciones y comete Seppuku.

Pero Pjotr Sapegin no se limita a hacer un remake exacto de Madame Butterfly. Todo lo contrario, su adaptación es bastante libre, pues solamente utiliza a cuatro de los personajes de la obra original. Butterfly, Pinkerton, Kate y el niño, pero con ellos es más que suficiente para representar toda la esencia de la obra. Además del excelente final adaptado a las circunstancias, y una música de fondo bellisima.
Majestuoso."


"Siempre uno tiene el derecho de rehacerse cuando la vida es demasiado cruel, cuando no podemos cargar el peso total de nuestras malas decisiones, es el derecho inherente del hombre de volver a nacer, de renunciar al trance de haberlo perdido todo. Nadie está libre de ser devorado por la ternura o por el incomprensible poder del desprecio, y de eso trata este cuento corto de Pjotr Sapegin, de la metamorfosis a una nueva vida, como la mariposa, deshacer el cuerpo entero para volver a tener ganas de sonreír. En apariencia macabro y cruel, en realidad lo que ha querido el autor es hacer una secuencia de una vida en sus matices más intimos, como el el nacimiento, la espera, el olvido, la renuncia, el amor y la ternura que viene del egoísmo puro, eso a logrado Pjotr Sapegin con su "Aria""


"I never cried watching a movie. Never, with a single exception. This one. So, prepare the napkins, you may need some: this movie has probably the most painful final scene ever.

The story is a variation on Giacomo Puccini’s Madama Butterfly, set on a tropical island. A sailor lands, meets a girl, makes love with here and leaves the day after. After giving birth to his daughter, the girl will wait for the man to come back.

This stop animated movie has been directed and animated by Pjotr Sapegin and produced by Pravda and National Film Board of Canada.

Released in 2001, the film garnered 10 international awards, including the Wooden Wolf Grand Prize at the Black Nights Film Festival of Tallin.

Born in Russia in 1955, Pjotr Sapegin worked as a set designer in various theatres in Moscow for 15 years. He became involved in puppet animation after moving to Norway in 1990 where he now co-owns the Pravda production company in Oslo. (Source: National Film Board)

The aria that accompanies the images is Un bel dì vedremo as sung by Natalie Choquette. (...). While the main character is an original creation, to avoid legal issues the author used a look alike puppet that he made as the Barbie, and a Pakistani bootleg copy as Ken. (...)"


"This short with its roots in the M Butterfly saga has more ideas and images crammed into its 11 minutes than many full-length features. I found this to be a fascinating film. How inanimate and even somewhat crude dolls were made to show the emotions that the main characters here did should be a lesson to all filmmakers.

This is a masterful short.(...)"
Havan_IronOak (IMDb)


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28 abril 2012

Snow White and Rose Red - Lotte Reiniger (1954)


Blancanieves y Rosarroja
Inglés / English | Subs: Castellano
 
Adaptación expresionista al cuento clásico de Jacob y Wilhelm Grimm elaborada por la maestra en animación por siluetas, la germana Lotte Reineger
 
 
Un día un misterioso oso en busca de refugio toca la puerta de Blancanieves y Rosarroja, dos dulces hermanas, el pobre oso ha caído presa de la magia de un duende maligno. La historia nos sumerge en  y la travesía de estas hermanas para liberarlo del encantamiento.


"A magical film. Reiniger's animation of the bear as he becomes part of the household, warming himself by the fire and winding wool, is really charming. The delicacy of the animation allows us to feel the texture of his fur, the warmth of his body.

It is a relatively sophisticated piece of film-making, with good pacing and editing and an evocative and brooding landscape adding atmosphere and depth to the usual finely worked foreground characters."
Ruth Lingford (BFI Screenonline)

 
"(...) Born in Berlin in 1899, Reiniger was captivated by shadow puppets from an early age. Though she initially studied acting with the theatre director Max Reinhardt, she became involved with the Berliner Institut für Kulturforschung, an experimental animation studio, while in her early 20s. There, she began turning her silhouette art, inspired by the shadow plays popular in China and Indonesia, into short films based on fairy tales, many from the Brothers Grimm. (...)"
Sarah Cronin (Electric Sheep)
 
 
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27 marzo 2012

The Tell-Tale Heart - Ted Parmelee (1953)


El corazón delator
Inglés / English | Subs: Español

Adapatción animada, a cargo del artista estadounidense Ted Parmelee, al cuento homónimo del grande del terror Edgar Allan Poe. Animación catalogada por muchos como una de las mejores adaptaciones hechas a los cuentos del escritor.

Narrada intensamente por el actor británico James Mason, esta es la historia de un hombre perseguido por la locura que produce en él la imagen del ojo tuerto de un anciano, con el cual convive; llevado a la psicosis por la imagen del ojo, el hombre comienza a perder la cordura cada vez más. 
Este film fue la primera caricatura en ser catalogada "X" (lo que significa que sólo puede ser vista por público adulto) por el British Board of Film Censors; además fue nominada a los premios oscar y fue seleccionada a la lista "The 50 Greatest Cartoons" creada en los 90 por el historiador de la animación Jerry Beck.



"(...) Puede extrañar que me explaye tanto en reseñar todos los colaboradores en el corto (especialmente para los que sufran de algún tipo de autoritis) pero en este caso tanto la eficaz narración de James Mason como los diseños de Paul Julian son esenciales para construir la atmósfera de este corto, especialmente los diseños del dibujante americano, que bebiendo de las fuentes de la vangüardia, el expresionismo y  el surrealismo, consiguen dotar a esta versión del cuento de Poe del toque de locura alucinatoria que todo lector experimenta con su lectura.

Por supuesto, un corto animado no se limita a unas bellas ilustraciones o a un perfecto trabajo de doblaje. Se requiere algo más...

¿O no?


(...) La labor de la productora UPA durante la década de los 50 en el campo de la animación comercial y no tan comercial, constituyó uno de los hitos de esta forma. No sólo consiguió romper el monopolio del estilo Disney, que desde los 40 no tenía rivales, sino demostró que esta forma podía utilizar los estilos del modernismo artístico, entonces en plena vigencia, para dirigirse al público, liberando a la animación experimental e independiente del ghetto excluyente en que se la había encerrado, tanto por parte del público como de la crítica (y en el que en cierta manera, aún sigue encerrado)

Esta conexión con la vanguardia no se limitó simplemente a la copia de los estilos artísticos de su tiempo, esto en sí, no hubiera supuesto ninguna revolución, sino que se plasmo en una investigación constante de los límites y las limitaciones de la forma, la cual daría paso, en otros países y en otras escuelas muy distintas, a esa larga tradición de la animación experimental e independiente a la que me refería. En ese sentido, este corto es quizás el mejor ejemplo de esa puesta en tela de juicio de los fundamentos de la disciplina, tan similar, salvando las distancias, a los intentos coetáneos de John Cage, por  delimitar las fronteras entre el ruido y la música.


Y es que si algo llama la atención de este corto es precisamente que está desprovisto casi por completo de animación, excepto unos pequeños fragmentos distribuidos aquí y allá por el corto, y que son apenas perceptibles. De hecho, la mayor parte del corto, no es otra cosa que una presentación de diapositivas, donde los diseños de Paul Julian se exploran mediante movimientos de cámara, se superponen los unos a los otros para simular transiciones o se modifican levemente para dar la idea del paso del tiempo.

Un estilo que, como digo, está en los límites de lo que se podría llamar animación, pero que sigue siendo, al conseguir transmitir, de manera notable, el cambio y el transcurrir del tiempo, pero sobre todo, al convertirse, de forma inesperada, en la mejor manera de traducir a imágenes ese clima alucinatorio y desasosegante del cuento de Poe. (...)"


"The plot focuses on a murderer whose increasing guilt leads him to believe he can hear his victim's heart still beating beneath the floorboards where he buried him. Seen through the eyes of the nameless narrator, the surrealistic images in the film help convey his descent into madness.
Paul Julian served as both designer and color artist for film, and Pat Matthews was the principal animator.
In May 1953, pre-production started on The Tell-Tale Heart, which originally was intended to be a 3-D film. However, it is not known whether or not the film was animated in this fashion, and it was not released in 3D if it was. There is no reference to 3D in a technical trade review. Furthermore, the leaders on original prints of the film do not indicate it ever was part of a pair of 3D prints, typical of all other 3D pictures."


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